Первый том коллекции посвящён одному из ярчайших представителей эпохи Возрождения Рафаэлю Санти (1483-1520). Младший современник Леонардо да Винчи и Микеланджело, проживший короткую, но чрезвычайно насыщенную жизнь, он впитал в себя и синтезировал все достижения великих предшественников, создав свой идеал прекрасного, гармонично развитого человека в окружении величавой архитектуры или пейзажа. «Божественный Санцио» - именно так называли художника современники. Талант Рафаэля и его гениальные произведения с XVI века и по сей день восхищают ценителей искусства. В своих произведениях он воплотил представление о самых светлых и возвышенных идеалах гуманизма. Всю жизнь он искал самые изящные и точные способы изобразить с помощью живописи красоту человеческого духа. Разносторонне одаренный художник снискал себе славу в различных областях искусства. Рафаэль был известен как мастер портрета и декора, архитектор, монументалист и поэт. Он проектировал собор Св. Петра, строил капеллу Киджи церкви Санта-Мария дель Пополо в Риме, им расписаны лоджии Ватикана, вилла Фарнезина. Практически все его картины очень известны, но, пожалуй, самые знаменитые из них - «Три грации», «Сикстинская Мадонна», «Обручение Девы Марии», «Триумф Галатеи». Рафаэль оказал огромное влияние на последующее развитие итальянской и европейской живописи, став наряду с мастерами античности высшим образцом художественного совершенства. Содержание Становление гения Умбрийский период Флорентийский период Римский период Позднеримский период Год издания: 2009Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 72314 KbСкачиваний: 2633

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит около 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Первый том коллекции посвящён одному из ярчайших представителей эпохи Возрождения Рафаэлю Санти (1483-1520). Младший современник Леонардо да Винчи и Микеланджело, проживший короткую, но чрезвычайно насыщенную жизнь, он впитал в себя и синтезировал все достижения великих предшественников, создав свой идеал прекрасного, гармонично развитого человека в окружении величавой архитектуры или пейзажа. «Божественный Санцио» - именно так называли художника современники. Талант Рафаэля и его гениальные произведения с XVI века и по сей день восхищают ценителей искусства. В своих произведениях он воплотил представление о самых светлых и возвышенных идеалах гуманизма. Всю жизнь он искал самые изящные и точные способы изобразить с помощью живописи красоту человеческого духа. Разносторонне одаренный художник снискал себе славу в различных областях искусства. Рафаэль был известен как мастер портрета и декора, архитектор, монументалист и поэт. Он проектировал собор Св. Петра, строил капеллу Киджи церкви Санта-Мария дель Пополо в Риме, им расписаны лоджии Ватикана, вилла Фарнезина. Практически все его картины очень известны, но, пожалуй, самые знаменитые из них - «Три грации», «Сикстинская Мадонна», «Обручение Девы Марии», «Триумф Галатеи». Рафаэль оказал огромное влияние на последующее развитие итальянской и европейской живописи, став наряду с мастерами античности высшим образцом художественного совершенства. Год издания: 2009Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 8704 KbСкачиваний: 1898

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Второй том коллекции посвящён выдающемуся российскому живописцу Ивану Константиновичу Айвазовскому (1817-1900). Айвазовский занимает исключительное место в истории не только русской, но и мировой пейзажной живописи. Слава одного из самых лучших маринистов пришла к художнику очень рано и венчала его творческий путь на протяжении шестидесяти лет. Ранние картины Айвазовского свидетельствуют о внимательном освоении канонов морского пейзажа, восходящих к живописи Лоррена, о влиянии М. Н. Воробьева и позднего Сильвестра Щедрина. Видовая точность соединяется здесь с классицистской рациональностью композиционных планов («Вид на взморье в окрестностях Петербурга», 1835). Чисто романтическое мировосприятие, восхищение необъятной, вечно изменчивой стихией моря находит зрелое выражение в работах 1840-х годах, когда художник завоевывает европейскую известность. Ряд зарубежных академий избирает его почетным членом, Дж. Тернер пишет восторженную оду в честь одной из его картин. Известнейшее произведение этого периода - картина «Девятый вал» (1850). Типичная для иконографии романтизма тема кораблекрушения дана тут в окружении сильных светотеневых эффектов, усиливающих общее впечатление безграничности бушующего пространства. Художник необычайно плодовитый, Айвазовский часто прибегал к композиционным и колористическим штампам. Однако в лучших картинах - таких, как «Чёрное море» (1881), - проступают лучшие черты его дарования: чуткое понимание эстетики возвышенного, тонкое мастерство тональной передачи света, пронизывающего толщу воды. Чувство величественной красоты морской стихии отличает творчество мастера и выделяет его искусство из всего, что было создано в XIX веке в области маринистической живописи. Кроме моря, Иван Константинович рисовал города, виды Армении, природу, библейские сюжеты. Айвазовский был последним и самым ярким романтиком русской живописи. Год издания: 2009Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 75311 KbСкачиваний: 2716

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Второй том коллекции посвящён выдающемуся российскому живописцу Ивану Константиновичу Айвазовскому (1817-1900). Айвазовский занимает исключительное место в истории не только русской, но и мировой пейзажной живописи. Слава одного из самых лучших маринистов пришла к художнику очень рано и венчала его творческий путь на протяжении шестидесяти лет. Ранние картины Айвазовского свидетельствуют о внимательном освоении канонов морского пейзажа, восходящих к живописи Лоррена, о влиянии М. Н. Воробьева и позднего Сильвестра Щедрина. Видовая точность соединяется здесь с классицистской рациональностью композиционных планов («Вид на взморье в окрестностях Петербурга», 1835). Чисто романтическое мировосприятие, восхищение необъятной, вечно изменчивой стихией моря находит зрелое выражение в работах 1840-х годах, когда художник завоевывает европейскую известность. Ряд зарубежных академий избирает его почетным членом, Дж. Тернер пишет восторженную оду в честь одной из его картин. Известнейшее произведение этого периода - картина «Девятый вал» (1850). Типичная для иконографии романтизма тема кораблекрушения дана тут в окружении сильных светотеневых эффектов, усиливающих общее впечатление безграничности бушующего пространства. Художник необычайно плодовитый, Айвазовский часто прибегал к композиционным и колористическим штампам. Однако в лучших картинах - таких, как «Чёрное море» (1881), - проступают лучшие черты его дарования: чуткое понимание эстетики возвышенного, тонкое мастерство тональной передачи света, пронизывающего толщу воды. Чувство величественной красоты морской стихии отличает творчество мастера и выделяет его искусство из всего, что было создано в XIX веке в области маринистической живописи. Кроме моря, Иван Константинович рисовал города, виды Армении, природу, библейские сюжеты. Айвазовский был последним и самым ярким романтиком русской живописи.Год издания: 2009Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 7742 KbСкачиваний: 1912

Третий том коллекции посвящён одной из ярчайших личностей эпохи Ренессанса - выдающемуся итальянскому живописцу, скульптору, архитектору, учёному и инженеру Леонардо да Винчи (1452-1519). За свою жизнь Леонардо да Винчи создал всего около двенадцати законченных картин, но каждая из них стала шедевром мировой живописи. Леонардо сложился как мастер, обучаясь у Андреа дель Верроккьо в 1467-1472 годах. В ранних произведениях (голова ангела в «Крещении» Верроккьо, «Благовещение») он обогащает традиции живописи кватроченто, подчеркивая плавную объёмность форм мягкой светотенью, оживляя лица тонкой, едва уловимой улыбкой. В «Поклонении волхвов» художник превращает религиозный образ в зеркало разнообразных человеческих эмоций, разрабатывая новаторские методы рисунка. Леонардо добивается редкой остроты в передаче мимики лица, а строение и движения человеческого тела приводит в идеальное соответствие с драматургией композиции. На период службы у правителя Милана Лодовико Моро (с 1481 года) приходится творческий расцвет Леонардо-живописца. К этому периоду относится полотно «Мадонна в скалах» (первый вариант - в Лувре, второй - в лондонской Национальной галерее). В трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие Леонардо создает роспись «Тайная вечеря» (1495-1497). Бурная, разноречивая реакция учеников Христа на его слова о грядущем предательстве выражена в чётких математических закономерностях композиции, властно подчиняющей себе не только нарисованное, но и реальное архитектурное пространство. В наиболее известной картине Леонардо, портрете Моны Лизы (Лувр) образ богатой горожанки предстает таинственным олицетворением природы как таковой, не теряя при этом чисто женского лукавства. Внутреннюю значительность композиции придает космически-величавый и в то же время тревожно-отчужденный пейзаж, тающий в холодной дымке. К поздним произведениям Леонардо принадлежат роспись «Святая Анна с Марией и младенцем Христом» и картина «Святой Иоанн Креститель». Последняя картина Леонардо полна эротической двусмысленности: юный Предтеча выглядит тут не как святой аскет, но как полный чувственной прелести искуситель. Наиболее представительная коллекция работ Леонардо представлена в Лувре, две его картины картины («Мадонна Литта» и «Мадонна Бенуа») можно увидеть в Эрмитаже.Год издания: 2009Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 80832 KbСкачиваний: 2738

Третий том коллекции посвящён одной из ярчайших личностей эпохи Ренессанса - выдающемуся итальянскому живописцу, скульптору, архитектору, учёному и инженеру Леонардо да Винчи (1452-1519). За свою жизнь Леонардо да Винчи создал всего около двенадцати законченных картин, но каждая из них стала шедевром мировой живописи. Леонардо сложился как мастер, обучаясь у Андреа дель Верроккьо в 1467-1472 годах. В ранних произведениях (голова ангела в «Крещении» Верроккьо, «Благовещение») он обогащает традиции живописи кватроченто, подчеркивая плавную объёмность форм мягкой светотенью, оживляя лица тонкой, едва уловимой улыбкой. В «Поклонении волхвов» художник превращает религиозный образ в зеркало разнообразных человеческих эмоций, разрабатывая новаторские методы рисунка. Леонардо добивается редкой остроты в передаче мимики лица, а строение и движения человеческого тела приводит в идеальное соответствие с драматургией композиции. На период службы у правителя Милана Лодовико Моро (с 1481 года) приходится творческий расцвет Леонардо-живописца. К этому периоду относится полотно «Мадонна в скалах» (первый вариант - в Лувре, второй - в лондонской Национальной галерее). В трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие Леонардо создает роспись «Тайная вечеря» (1495-1497). Бурная, разноречивая реакция учеников Христа на его слова о грядущем предательстве выражена в чётких математических закономерностях композиции, властно подчиняющей себе не только нарисованное, но и реальное архитектурное пространство. В наиболее известной картине Леонардо, портрете Моны Лизы (Лувр) образ богатой горожанки предстает таинственным олицетворением природы как таковой, не теряя при этом чисто женского лукавства. Внутреннюю значительность композиции придает космически-величавый и в то же время тревожно-отчужденный пейзаж, тающий в холодной дымке. К поздним произведениям Леонардо принадлежат роспись «Святая Анна с Марией и младенцем Христом» и картина «Святой Иоанн Креститель». Последняя картина Леонардо полна эротической двусмысленности: юный Предтеча выглядит тут не как святой аскет, но как полный чувственной прелести искуситель. Наиболее представительная коллекция работ Леонардо представлена в Лувре, две его картины картины («Мадонна Литта» и «Мадонна Бенуа») можно увидеть в Эрмитаже. Год издания: 2009Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 10124 KbСкачиваний: 1873

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Четвёртый выпуск коллекции представляет творчество выдающегося французского живописца-пейзажиста, представителя и одного из основателей импрессионизма Клода Моне (1840-1926). Само название живописного направления «импрессионизм» произошло от названия от названия картины Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872) (impression - впечатление). Для Моне было важно не просто запечатлеть пейзаж, бытовую сценку, а передать свежесть непосредственного впечатления от созерцания природы, где каждое мгновение что-то происходит, где окраска предметов непрерывно меняется в зависимости от освещения, от состояния атмосферы, погоды, от соседства с другими предметами. Чтобы так передать световоздушную среду, надо было не только выйти на природу, но и по-новому увидеть предметы, отказавшись от тех правил, которым учили при работе в мастерских, и полностью довериться своему зрению. «Забыв» такой основополагающий принцип академической живописи, как постепенный переход от света к тени, Моне составляет и фигуры, и пейзаж из обобщенных световых пятен, оттенки и цвет которых зависят только от освещения, нет чётких контуров предметов: они как бы смазаны легким движением воздуха. Ощущение движения воздуха усиливается и самой фактурой картины: она перестает быть гладкой, а состоит из отдельных рельефных пятен-мазков, передающих трепет листвы, мерцание солнечных бликов на воде, тени от скользящих по небу облаков. В работах раннего периода творчества Моне обращает на себя внимание целостность восприятия художником происходящих вокруг сиюминутных событий. Глядя на них, у зрителя создается впечатление личного присутствия на этом нескончаемом празднике жизни, наполненном солнцем, светом, гомоном нарядной толпы («Лягушатник», «Сирень на солнце», «Бульвар капуцинок»). В 1877 году художник создаёт серию картин о вокзале Сен-Лазар, наметившую новый этап в его творчестве: отход от целостной концепции картины-этюда в сторону аналитического подхода к изображаемому. Он по-другому начинает относиться к цвету, меняются сюжеты его картин. Теперь основное внимание художника сосредоточено на выразительности цветовой гаммы мазка в отрыве от его предметной соотнесенности, усиливается стремление к декоративности, которое вылилось в итоге в создание картин-панно. Простые сюжеты картин 1860-1870 годов уступают место более сложным. Моне привлекают серийные работы: композиции «Стога», изображения Руанского собора, виды Лондона. В них, следуя импрессионистической манере, художник стремится передать различную степень освещенности одних и тех же предметов при различной погоде, в различное время дня, используя разнообразную тональность своей палитры. Вместе с этим, серии картин позволяют создать удивительные декоративные композиции, как бы развивающиеся во времени и в пространстве благодаря возникающим ассоциативным связям. Год издания: 2009Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 100229 KbСкачиваний: 2987

Четвёртый выпуск коллекции представляет творчество выдающегося французского живописца-пейзажиста, представителя и одного из основателей импрессионизма Клода Моне (1840-1926). Само название живописного направления «импрессионизм» произошло от названия от названия картины Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872) (impression - впечатление). Для Моне было важно не просто запечатлеть пейзаж, бытовую сценку, а передать свежесть непосредственного впечатления от созерцания природы, где каждое мгновение что-то происходит, где окраска предметов непрерывно меняется в зависимости от освещения, от состояния атмосферы, погоды, от соседства с другими предметами. Чтобы так передать световоздушную среду, надо было не только выйти на природу, но и по-новому увидеть предметы, отказавшись от тех правил, которым учили при работе в мастерских, и полностью довериться своему зрению. «Забыв» такой основополагающий принцип академической живописи, как постепенный переход от света к тени, Моне составляет и фигуры, и пейзаж из обобщенных световых пятен, оттенки и цвет которых зависят только от освещения, нет чётких контуров предметов: они как бы смазаны легким движением воздуха. Ощущение движения воздуха усиливается и самой фактурой картины: она перестает быть гладкой, а состоит из отдельных рельефных пятен-мазков, передающих трепет листвы, мерцание солнечных бликов на воде, тени от скользящих по небу облаков. В работах раннего периода творчества Моне обращает на себя внимание целостность восприятия художником происходящих вокруг сиюминутных событий. Глядя на них, у зрителя создается впечатление личного присутствия на этом нескончаемом празднике жизни, наполненном солнцем, светом, гомоном нарядной толпы («Лягушатник», «Сирень на солнце», «Бульвар капуцинок»). В 1877 году художник создаёт серию картин о вокзале Сен-Лазар, наметившую новый этап в его творчестве: отход от целостной концепции картины-этюда в сторону аналитического подхода к изображаемому. Он по-другому начинает относиться к цвету, меняются сюжеты его картин. Теперь основное внимание художника сосредоточено на выразительности цветовой гаммы мазка в отрыве от его предметной соотнесенности, усиливается стремление к декоративности, которое вылилось в итоге в создание картин-панно. Простые сюжеты картин 1860-1870 годов уступают место более сложным. Моне привлекают серийные работы: композиции «Стога», изображения Руанского собора, виды Лондона. В них, следуя импрессионистической манере, художник стремится передать различную степень освещенности одних и тех же предметов при различной погоде, в различное время дня, используя разнообразную тональность своей палитры. Вместе с этим, серии картин позволяют создать удивительные декоративные композиции, как бы развивающиеся во времени и в пространстве благодаря возникающим ассоциативным связям. Год издания: 2009Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 11930 KbСкачиваний: 1930

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Пятый альбом коллекции посвящён творчеству крупнейшего русского живописца-пейзажиста Архипа Ивановича Куинджи (1842-1910), которого ещё часто назвают первым русским импрессионистом. В ранний период творчества испытал Куинджи влияние И. К. Айвазовского. Уже первые его картины - «Татарская деревня при лунном освещении» и «Исаакиевский собор при лунном освещении» - говорят об интересе художника к проблемам передачи света. Ранние пейзажи Куинджи, написанные в скупой, мглистой красочной гамме - «На острове Валааме», «Забытая деревня», «Чумацкий тракт в Мариуполе», - были одобрительно встречены передвижниками. В 1875 году Куинджи стал членом передвижных художественных выставок, однако после поездки во Францию решительно порвал с ними. Его манера письма стала яркой, дерзкой. Холсты Куинджи буквально взрывались красками. Он не копировал импрессионистов, но параллельно с ними изучал возможности света, цвета, влияние воздушной среды на предметы и оттенки, активно экспериментировал с красками. используя световые эффекты и интенсивные цвета, сведенные к нескольким главным тонам, художник стремился передать наиболее выразительные по освещению состояния природы и достигал почти полной оптической иллюзии освещения. Для получения в своих пейзажах панорамных эффектов Куинджи применял различные композиционные приемы, например высокий горизонт. Его пейзажи «Вечер на Украине», «Днепр утром», «Север», «Берёзовая роща», полные восторга перод красотой и тайной, изменчивостью мира, ошеломили публику и принесли Куинджи широкую известность. Но главный триумф Куинджи - картина «Лунная ночь на Днепре», после которой художник без объяснения причин «замолчал» почти на двадцать лет. К сожалению, время не пощадило многие из полотен художника (в том числе и «Лунную ночь на Днепре»), которые потеряли первоначальный вид: краски потускнели, цвет их изменился. Самые представительные собрания работ Архипа Куинджи находятся в Русском музее и Третьяковской галерее. Год издания: 2009Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 95943 KbСкачиваний: 2192

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Пятый альбом коллекции посвящён творчеству крупнейшего русского живописца-пейзажиста Архипа Ивановича Куинджи (1842-1910), которого ещё часто назвают первым русским импрессионистом. В ранний период творчества испытал Куинджи влияние И. К. Айвазовского. Уже первые его картины - «Татарская деревня при лунном освещении» и «Исаакиевский собор при лунном освещении» - говорят об интересе художника к проблемам передачи света. Ранние пейзажи Куинджи, написанные в скупой, мглистой красочной гамме - «На острове Валааме», «Забытая деревня», «Чумацкий тракт в Мариуполе», - были одобрительно встречены передвижниками. В 1875 году Куинджи стал членом передвижных художественных выставок, однако после поездки во Францию решительно порвал с ними. Его манера письма стала яркой, дерзкой. Холсты Куинджи буквально взрывались красками. Он не копировал импрессионистов, но параллельно с ними изучал возможности света, цвета, влияние воздушной среды на предметы и оттенки, активно экспериментировал с красками. используя световые эффекты и интенсивные цвета, сведенные к нескольким главным тонам, художник стремился передать наиболее выразительные по освещению состояния природы и достигал почти полной оптической иллюзии освещения. Для получения в своих пейзажах панорамных эффектов Куинджи применял различные композиционные приемы, например высокий горизонт. Его пейзажи «Вечер на Украине», «Днепр утром», «Север», «Берёзовая роща», полные восторга перод красотой и тайной, изменчивостью мира, ошеломили публику и принесли Куинджи широкую известность. Но главный триумф Куинджи - картина «Лунная ночь на Днепре», после которой художник без объяснения причин «замолчал» почти на двадцать лет. К сожалению, время не пощадило многие из полотен художника (в том числе и «Лунную ночь на Днепре»), которые потеряли первоначальный вид: краски потускнели, цвет их изменился. Самые представительные собрания работ Архипа Куинджи находятся в Русском музее и Третьяковской галерее. Год издания: 2009Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 8967 KbСкачиваний: 1595

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Шестой альбом коллекции знакомит с творчеством выдающегося итальянского художника Сандро Боттичелли (1445-1510), представителя флорентийской школы живописи. Боттичелли - автор знаменитых картин на религиозные и мифологические темы, принадлежащих к числу самых знаменитых произведений эпохи Возрождения и представляющих собой подлинные шедевры западноевропейского искусства. Кисти Боттичелли (полностью или в значительной степени) приписывается около 50 картин. Учителем юного Боттичелли был Филиппо Липпи, один из самых знаменитых художников того времени. Стиль Филиппо Липпи оказал на Боттичелли огромное влияние, проявившееся главным образом в определенных типах лиц (в повороте в три четверти), орнаментальности и декоративности рисунка драпировок, рук, в склонности к детализации и мягком высветленном колорите, в его «восковом» свечении. В произведениях конца 1460-х хрупкая, плоскостная линеарность и грация, перенятые от Липпи, сменяются более объёмной трактовкой фигур. Приблизительно в это же время Боттичелли начал применять охристые тени для передачи телесного цвета - приём, который стал приметной чертой его стиля. Эти новшества стиля и манеры проявляются во всей полноте в двух ранних образах Мадонны кисти художника и в его раннем «Поклонении волхвов». В конце 1470-х годов Боттичелли попадает под покровительство семьи Медичи. Свои самые знаменитые работы - «Рождение Венеры», «Весна», «Паллада и Кентавр» - Боттичелли написал по заказу Лоренцо Пьерфранческо Медичи для виллы Кастелло близ Флоренции. Хотя Боттичелли, несомненно, был приверженцем гуманистической культуры, в том, что касается техники, он был далёк от новых веяний эпохи: в то время, как многие его современники старались сделать живопись как можно реалистичнее, объёмнее, «живее», он, не проявлял особого интереса к новациям своего времени. Столь же условен у Боттичелли и пейзаж: так, в «Рождении Венеры» и «Палладе и Кентавре» хорошо видна линия горизонта, в то время, как любой другой мастер «растворил» бы её в туманной дымке, пользуясь открытой Леонардо да Винчи техникой «сфумато». Конечно, мастер не пользовался новациями живописной техники не по причине неумения или незнания (в его «Мадонне Магнификат», например, пейзаж с извилистой речкой покрыт дымкой), скорее, он следовал требованиям гармонии линии, выразительности и чистоты силуэта. В то время, когда многие современники с помощью светотени или внимательного изучения анатомии и системы пропорций стремились придать фигурам реалистическое живоподобие, Боттичелли отдавал предпочтение удлиненным, тонким и изящным, почти абстрактным в своих силуэтах, бесплотным фигурам, которые удивительно напоминают готические статуи. Истоки стиля Боттичелли восходят к традициям флорентийских ювелиров и миниатюристов. Как и эти мастера, художник стремился добиться абсолютного совершенства линии, до такой степени тонкой и точной, чтобы с ее помощью иметь возможность передать эффект прозрачности материала и воспроизвести рукописную страницу с такой точностью, чтобы зритель мог прочесть каждое слово. Но уже современники Боттичелли считали, что линеарность художника - это пройденный этап в живописи, а после его смерти даже Вазари считает его одним из второстепенных художников. Только прерафаэлиты в середине XIX века, восстав против реалистической «размытости» в живописи, возвратили Боттичелли заслуженную славу. Год издания: 2009Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 99994 KbСкачиваний: 2178

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Шестой альбом коллекции знакомит с творчеством выдающегося итальянского художника Сандро Боттичелли (1445-1510), представителя флорентийской школы живописи. Боттичелли - автор знаменитых картин на религиозные и мифологические темы, принадлежащих к числу самых знаменитых произведений эпохи Возрождения и представляющих собой подлинные шедевры западноевропейского искусства. Кисти Боттичелли (полностью или в значительной степени) приписывается около 50 картин. Учителем юного Боттичелли был Филиппо Липпи, один из самых знаменитых художников того времени. Стиль Филиппо Липпи оказал на Боттичелли огромное влияние, проявившееся главным образом в определенных типах лиц (в повороте в три четверти), орнаментальности и декоративности рисунка драпировок, рук, в склонности к детализации и мягком высветленном колорите, в его «восковом» свечении. В произведениях конца 1460-х хрупкая, плоскостная линеарность и грация, перенятые от Липпи, сменяются более объёмной трактовкой фигур. Приблизительно в это же время Боттичелли начал применять охристые тени для передачи телесного цвета - приём, который стал приметной чертой его стиля. Эти новшества стиля и манеры проявляются во всей полноте в двух ранних образах Мадонны кисти художника и в его раннем «Поклонении волхвов». В конце 1470-х годов Боттичелли попадает под покровительство семьи Медичи. Свои самые знаменитые работы - «Рождение Венеры», «Весна», «Паллада и Кентавр» - Боттичелли написал по заказу Лоренцо Пьерфранческо Медичи для виллы Кастелло близ Флоренции. Хотя Боттичелли, несомненно, был приверженцем гуманистической культуры, в том, что касается техники, он был далёк от новых веяний эпохи: в то время, как многие его современники старались сделать живопись как можно реалистичнее, объёмнее, «живее», он, не проявлял особого интереса к новациям своего времени. Столь же условен у Боттичелли и пейзаж: так, в «Рождении Венеры» и «Палладе и Кентавре» хорошо видна линия горизонта, в то время, как любой другой мастер «растворил» бы её в туманной дымке, пользуясь открытой Леонардо да Винчи техникой «сфумато». Конечно, мастер не пользовался новациями живописной техники не по причине неумения или незнания (в его «Мадонне Магнификат», например, пейзаж с извилистой речкой покрыт дымкой), скорее, он следовал требованиям гармонии линии, выразительности и чистоты силуэта. В то время, когда многие современники с помощью светотени или внимательного изучения анатомии и системы пропорций стремились придать фигурам реалистическое живоподобие, Боттичелли отдавал предпочтение удлиненным, тонким и изящным, почти абстрактным в своих силуэтах, бесплотным фигурам, которые удивительно напоминают готические статуи. Истоки стиля Боттичелли восходят к традициям флорентийских ювелиров и миниатюристов. Как и эти мастера, художник стремился добиться абсолютного совершенства линии, до такой степени тонкой и точной, чтобы с ее помощью иметь возможность передать эффект прозрачности материала и воспроизвести рукописную страницу с такой точностью, чтобы зритель мог прочесть каждое слово. Но уже современники Боттичелли считали, что линеарность художника - это пройденный этап в живописи, а после его смерти даже Вазари считает его одним из второстепенных художников. Только прерафаэлиты в середине XIX века, восстав против реалистической «размытости» в живописи, возвратили Боттичелли заслуженную славу. Год издания: 2009Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 10737 KbСкачиваний: 1564

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Выдающийся художник, глава фламандской школы живописи барокко Питер Пауль Рубенс (1577-1640) был человеком редкого по масштабу гения, который обладал всеми достоинствами, столь необходимыми как для великих свершений в искусстве, так и для успеха в обществе, - мощным интеллектом, кипучей энергией, крепким здоровьем, приятной внешностью, удивительным даром гармонии и, в придачу, ясной головой для творческой и деловой активности. Головокружительная слава пришла к нему при жизни. Причём, блистал Рубенс не только в области искусства. Он проявил себя также как учёный-гуманист, философ, археолог, архитектор, выдающийся коллекционер, знаток нумизматики, государственный деятель и дипломат. По мощи таланта и многогранности дарования Рубенс принадлежит к числу самых блестящих фигур европейской культуры XVII века. Современники называли его королем художников и художником королей. Уйдя из жизни в возрасте 63 лет, Рубенс оставил после себя около трёх тысяч бесценных полотен. Искусство Рубенса, отличающееся живым и мощным ощущением натуры и неистощимой фантазией, насыщено разнообразными сюжетами, действием, обилием фигур и аксессуаров, патетическими жестами. Художник запечатлевал своих героев подчеркнуто телесными, в расцвете тяжеловесной красоты. Характерные для барокко приподнятость, патетика, бурное движение, декоративный блеск колорита неотделимы в искусстве Рубенса от чувственной красоты образов, смелых реалистических наблюдений. Диапазон творчества художника очень широк: картины на религиозные и мифологические сюжеты («Снятие со креста», «Персей и Андромеда»), историко-аллегорические полотна (цикл «История Марии Медичи»), проникнутые демократическим духом и ощущением могучих природных сил пейзажи и сцены крестьянской жизни («Возвращение жнецов»), полные живого обаяния портреты («Камеристка»). Рубенс создал новый жанр европейского парадного барочного портрета, подчёркивающего социальную значимость модели (портрет Марии Медичи). Пейзажи позднего Рубенса воспроизводят эпический образ природы Фландрии с её просторами, далями и населяющими её людьми («Радуга», «Возвращение с поля»). Великий живописец, он был также великим мастером рисунка (этюды с натуры, самостоятельные композиции, портреты, зарисовки; сохранилось около 300 рисунков). Творчество Рубенса - основополагающее в развитии фламандского национального искусства - не раз становилось знаменем в борьбе с безжизненными академическими канонами. Год издания: 2009Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 106750 KbСкачиваний: 1872

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Выдающийся художник, глава фламандской школы живописи барокко Питер Пауль Рубенс (1577-1640) был человеком редкого по масштабу гения, который обладал всеми достоинствами, столь необходимыми как для великих свершений в искусстве, так и для успеха в обществе, - мощным интеллектом, кипучей энергией, крепким здоровьем, приятной внешностью, удивительным даром гармонии и, в придачу, ясной головой для творческой и деловой активности. Головокружительная слава пришла к нему при жизни. Причём, блистал Рубенс не только в области искусства. Он проявил себя также как учёный-гуманист, философ, археолог, архитектор, выдающийся коллекционер, знаток нумизматики, государственный деятель и дипломат. По мощи таланта и многогранности дарования Рубенс принадлежит к числу самых блестящих фигур европейской культуры XVII века. Современники называли его королем художников и художником королей. Уйдя из жизни в возрасте 63 лет, Рубенс оставил после себя около трёх тысяч бесценных полотен. Искусство Рубенса, отличающееся живым и мощным ощущением натуры и неистощимой фантазией, насыщено разнообразными сюжетами, действием, обилием фигур и аксессуаров, патетическими жестами. Художник запечатлевал своих героев подчеркнуто телесными, в расцвете тяжеловесной красоты. Характерные для барокко приподнятость, патетика, бурное движение, декоративный блеск колорита неотделимы в искусстве Рубенса от чувственной красоты образов, смелых реалистических наблюдений. Диапазон творчества художника очень широк: картины на религиозные и мифологические сюжеты («Снятие со креста», «Персей и Андромеда»), историко-аллегорические полотна (цикл «История Марии Медичи»), проникнутые демократическим духом и ощущением могучих природных сил пейзажи и сцены крестьянской жизни («Возвращение жнецов»), полные живого обаяния портреты («Камеристка»). Рубенс создал новый жанр европейского парадного барочного портрета, подчёркивающего социальную значимость модели (портрет Марии Медичи). Пейзажи позднего Рубенса воспроизводят эпический образ природы Фландрии с её просторами, далями и населяющими её людьми («Радуга», «Возвращение с поля»). Великий живописец, он был также великим мастером рисунка (этюды с натуры, самостоятельные композиции, портреты, зарисовки; сохранилось около 300 рисунков). Творчество Рубенса - основополагающее в развитии фламандского национального искусства - не раз становилось знаменем в борьбе с безжизненными академическими канонами. Год издания: 2009Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 10490 KbСкачиваний: 1444

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Один из главных представителей постимпрессионизма французский художник Поль Гоген (1844-1903) завёл моду на дауншифтинг (бегство от цивилизации) задолго до того, как появился этот термин. Для современных «беглецов из мегаполисов» Гоген - фигура культовая, а его картина «Не работай» - почти икона. В своих декоративных, эмоционально насыщенных по цвету, статичных по композиции плоскостных полотнах, художник создал поэтический мир гармонии человека и природы. Живопись всецело захватила Гогена после знакомства с творчеством импрессионистов, в выставках которых он вскоре и сам принял участие. Желая всецело посвятить себя искусству, Гоген расстался с семьёй, оставив пятерых детей, и бросил работу в банке. Первые его произведения носят подчас подражательный характер («Сена возле Йенского моста») но с конца 1880-х годов Гоген становится одним из наиболее значительных художников постимпрессионизма. С группой последователей он поселяется в деревне Понт-Авен (Бретань), где еще сохранились самобытные нравы, обычаи, верования, старинные костюмы. Его привлекает жизнь среди людей, не затронутых современной цивилизацией («Видение после проповеди», «Свинопас. Бретань»). Мастера «Понт-Авенской школы» упрощают формы, заполняют плоскость холста крупными цветовыми массами, очерчивая их четким контуром, как в перегородчатой эмали, отсюда название их метода: «клуазонизм» (от французского cloison - перегородка). Духовные поиски сближают Гогена с символизмом. Он видит задачу художника в том, чтобы проникнуть в тайную суть, сокровенный смысл явления и раскрыть его миру («Жёлтый Христос»). Для Гогена характерна непрестанная жажда перемены мест: в 1887 году он внезапно уезжает на Мартинику, в 1888 году возвращается в Понт-Авен, зимой того же года появляется в Арле на юге Франции, работает вместе с Ван Гогом, мечтающим создать братство художников. Однако отношения их кончаются ссорой и разрывом. В 1891 году Гоген решает уехать на Таити в надежде найти там воплощение своей мечты о золотом веке, о жизни в гармонии с природой и людьми. На Таити его талант обретает удивительную мощь, здесь были созданы самые прославленные его полотна, изображающие свободных прекрасных людей, живущих в единстве с щедрой благожелательной природой. Он пишет таитянок то на фоне раскаленного песка, розоватые тона которого оттеняют янтарно-смуглые тела женщин («А, ты ревнуешь? »), то среди тропической зелени («Таитянка с плодом манго»). Таитянские полотна праздничны по цвету, уподобляясь ярким декоративным панно («Таитянские пасторали»). Однако утопии не получилось. Раскалённый золотой песок Таити не спас художника от очередного душевного кризиса. Его мучают сомнения, и картины нередко отражают тревожное состояние его души: «Невермор», «Материнство», «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда идём? ». Гоген уезжает из своего рая, с острова, возвращается во Францию, потом обратно бежит на острова. Там он и умер, небогатый, несчастливый, но великий художник, который там и смог найти на планете Земля хотя бы маленький кусочек придуманного им совершенного мира. Год издания: 2009Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 114142 KbСкачиваний: 1709

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Один из главных представителей постимпрессионизма французский художник Поль Гоген (1844-1903) завёл моду на дауншифтинг (бегство от цивилизации) задолго до того, как появился этот термин. Для современных «беглецов из мегаполисов» Гоген - фигура культовая, а его картина «Не работай» - почти икона. В своих декоративных, эмоционально насыщенных по цвету, статичных по композиции плоскостных полотнах, художник создал поэтический мир гармонии человека и природы. Живопись всецело захватила Гогена после знакомства с творчеством импрессионистов, в выставках которых он вскоре и сам принял участие. Желая всецело посвятить себя искусству, Гоген расстался с семьёй, оставив пятерых детей, и бросил работу в банке. Первые его произведения носят подчас подражательный характер («Сена возле Йенского моста») но с конца 1880-х годов Гоген становится одним из наиболее значительных художников постимпрессионизма. С группой последователей он поселяется в деревне Понт-Авен (Бретань), где еще сохранились самобытные нравы, обычаи, верования, старинные костюмы. Его привлекает жизнь среди людей, не затронутых современной цивилизацией («Видение после проповеди», «Свинопас. Бретань»). Мастера «Понт-Авенской школы» упрощают формы, заполняют плоскость холста крупными цветовыми массами, очерчивая их четким контуром, как в перегородчатой эмали, отсюда название их метода: «клуазонизм» (от французского cloison - перегородка). Духовные поиски сближают Гогена с символизмом. Он видит задачу художника в том, чтобы проникнуть в тайную суть, сокровенный смысл явления и раскрыть его миру («Жёлтый Христос»). Для Гогена характерна непрестанная жажда перемены мест: в 1887 году он внезапно уезжает на Мартинику, в 1888 году возвращается в Понт-Авен, зимой того же года появляется в Арле на юге Франции, работает вместе с Ван Гогом, мечтающим создать братство художников. Однако отношения их кончаются ссорой и разрывом. В 1891 году Гоген решает уехать на Таити в надежде найти там воплощение своей мечты о золотом веке, о жизни в гармонии с природой и людьми. На Таити его талант обретает удивительную мощь, здесь были созданы самые прославленные его полотна, изображающие свободных прекрасных людей, живущих в единстве с щедрой благожелательной природой. Он пишет таитянок то на фоне раскаленного песка, розоватые тона которого оттеняют янтарно-смуглые тела женщин («А, ты ревнуешь? »), то среди тропической зелени («Таитянка с плодом манго»). Таитянские полотна праздничны по цвету, уподобляясь ярким декоративным панно («Таитянские пасторали»). Однако утопии не получилось. Раскалённый золотой песок Таити не спас художника от очередного душевного кризиса. Его мучают сомнения, и картины нередко отражают тревожное состояние его души: «Невермор», «Материнство», «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда идём? ». Гоген уезжает из своего рая, с острова, возвращается во Францию, потом обратно бежит на острова. Там он и умер, небогатый, несчастливый, но великий художник, который там и смог найти на планете Земля хотя бы маленький кусочек придуманного им совершенного мира. Год издания: 2009Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 12360 KbСкачиваний: 1262

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Альбом посвящен творчеству Ивана Шишкина. Иван Иванович Шишкин (1832-1898) по праву может быть назван величайшим русским пейзажистом. Немного найдётся художников, творчество которых получило такую широкую известность и всеобщее признание, заслужило столь искреннюю любовь соотечественников. Будучи непревзойдённым мастером пейзажа, Шишкин органически соединил в своей живописи и графике черты романтизма и реализма. В эпических образах он раскрыл красоту, мощь и богатство русской природы. Особое значение для Шишкина имели натурные впечатления, полученные в окрестностях родной Елабуги, Москвы и Петербурга, а также на острове Валаам. Для ранних работ мастера («Вид на острове Валааме» «Рубка леса») характерна некоторая дробность форм: придерживаясь традиционного для романтизма «кулисного» построения картины, чётко размечая планы, он ещё не достигает убедительного единства образа. В таких картинах, как «Полдень. В окрестностях Москвы», это единство предстает уже очевидной реальностью, прежде всего за счет тонкой композиционной и свето-воздушно-колористической координации зон неба и земли, почвы (последнюю Шишкин чувствовал особенно проникновенно, в этом отношении не имея себе равных в русском пейзажном искусстве). В 1870-е годы мастер входит в пору безусловной творческой зрелости, о которой свидетельствуют картины «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии» и «Рожь». Обычно избегая зыбких, переходных состояний природы, художник фиксирует её высший летний расцвет, достигая впечатляющего тонального единства именно за счёт яркого, полуденного, летнего света, определяющего всю колористическую шкалу. Монументально-романтический образ Природы с большой буквы неизменно присутствует в картинах. Новые же, реалистические веяния, проступают в том проникновенном внимании, с которым выписываются приметы конкретного куска земли, уголка леса или поля, конкретного дерева. Шишкин - замечательный поэт не только почвы, но и дерева, тонко чувствующий характер каждой породы (в своих записях он обычно упоминает не просто «лес», но «лес из осокорея, вязов и частью дубов» (дневник 1861 года) или «лес еловый, сосновый, осина, берёза, липа» (из письма И. В. Волковскому, 1888). С особой охотой художник пишет породы самые мощные и крепкие типа дубов и сосен - в стадии зрелости, старости и, наконец, смерти в буреломе. Классические произведения Шишкина - такие, как «Рожь» или «Среди долины ровныя. » (картина названа по песне А. Ф. Мерзлякова), «Лесные дали» - воспринимаются как обобщенные, эпические образы России. Художнику одинаково удаются и далевые виды, и лесные «интерьеры» («Сосны, освещённые солнцем» «Утро в сосновом лесу», где медведи написаны К. А. Савицким). Год издания: 2009Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 109402 KbСкачиваний: 1887

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Альбом посвящен творчеству Ивана Шишкина. Иван Иванович Шишкин (1832-1898) по праву может быть назван величайшим русским пейзажистом. Немного найдётся художников, творчество которых получило такую широкую известность и всеобщее признание, заслужило столь искреннюю любовь соотечественников. Будучи непревзойдённым мастером пейзажа, Шишкин органически соединил в своей живописи и графике черты романтизма и реализма. В эпических образах он раскрыл красоту, мощь и богатство русской природы. Особое значение для Шишкина имели натурные впечатления, полученные в окрестностях родной Елабуги, Москвы и Петербурга, а также на острове Валаам. Для ранних работ мастера («Вид на острове Валааме» «Рубка леса») характерна некоторая дробность форм: придерживаясь традиционного для романтизма «кулисного» построения картины, чётко размечая планы, он ещё не достигает убедительного единства образа. В таких картинах, как «Полдень. В окрестностях Москвы», это единство предстает уже очевидной реальностью, прежде всего за счет тонкой композиционной и свето-воздушно-колористической координации зон неба и земли, почвы (последнюю Шишкин чувствовал особенно проникновенно, в этом отношении не имея себе равных в русском пейзажном искусстве). В 1870-е годы мастер входит в пору безусловной творческой зрелости, о которой свидетельствуют картины «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии» и «Рожь». Обычно избегая зыбких, переходных состояний природы, художник фиксирует её высший летний расцвет, достигая впечатляющего тонального единства именно за счёт яркого, полуденного, летнего света, определяющего всю колористическую шкалу. Монументально-романтический образ Природы с большой буквы неизменно присутствует в картинах. Новые же, реалистические веяния, проступают в том проникновенном внимании, с которым выписываются приметы конкретного куска земли, уголка леса или поля, конкретного дерева. Шишкин - замечательный поэт не только почвы, но и дерева, тонко чувствующий характер каждой породы (в своих записях он обычно упоминает не просто «лес», но «лес из осокорея, вязов и частью дубов» (дневник 1861 года) или «лес еловый, сосновый, осина, берёза, липа» (из письма И. В. Волковскому, 1888). С особой охотой художник пишет породы самые мощные и крепкие типа дубов и сосен - в стадии зрелости, старости и, наконец, смерти в буреломе. Классические произведения Шишкина - такие, как «Рожь» или «Среди долины ровныя. » (картина названа по песне А. Ф. Мерзлякова), «Лесные дали» - воспринимаются как обобщенные, эпические образы России. Художнику одинаково удаются и далевые виды, и лесные «интерьеры» («Сосны, освещённые солнцем» «Утро в сосновом лесу», где медведи написаны К. А. Савицким). Год издания: 2009Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 11743 KbСкачиваний: 1411

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Альбом посвящен творчеству Веласкеса. Очередной альбом коллекции посвящён крупнейшему представителю испанского барокко Диего Родригес де Сильва Веласкесу (1599-1660). Превосходя современных ему испанских художников не только творческим диапазоном, но и смелостью и новизной художественных решений, Веласкес писал картины на жанровые, мифологические, исторические, религиозные сюжеты, портреты, пейзажи. Человек высокого нравственного благородства, он был назван современниками «художником Истины». Самостоятельность проявилась уже в ранних полотнах севильского периода, созданных в жанре бодегонов (от исп. bodegon - трактир), изображавших кухонные сцены с немногими полуфигурами и выделенными на переднем плане натюрмортами. В этих произведениях с резкими светотеневыми контрастами, тяжелой и плотной живописью, отмеченных воздействием школы Караваджо, господствуют полные естественного достоинства запоминающиеся народные типы («Завтрак», «Старая кухарка», «Водонос»). К жанру бодегонов относятся и немногочисленные ранние религиозные картины Веласкеса («Поклонение волхвов», «Христос в доме Марфы и Марии»). Жизнь в Мадриде, открывшая Веласкесу возможность внимательного изучения ценнейших королевских собраний живописи, близость с испанской культурной элитой и продолжительная поездка в Италию содействовали расширению его художественного кругозора и совершенствованию мастерства. В необычных для испанской традиции картинах на античные сюжеты («Вакх» или «Пьяницы», «Кузница Вулкана»), с их острым чувством житейской достоверности и оттенком иронии, мифологические образы соединены со сценами, приближенными к реальности. В 1634 году Веласкес создаёт масштабное полотно «Сдача Бреды» - одно из самых значительных произведений европейской живописи исторического жанра, в котором с глубокой человечностью охарактеризована каждая из враждующих сторон. Качества новой свободной живописи Веласкеса, его интерес к изображению пейзажной среды, стремление наполнить жизнью схемы парадных изображений отличают его работы после возвращения из Италии. В портретах Веласкеса обычно отсутствуют аксессуары, жест, движение. Серо-коричневый фон кажется воздушным, обладающим глубиной, свободно положенные мазки образуют тончайший слой, сквозь который просвечивает крупнозернистый холст. Строгая темная гамма оживлена изысканнейшими сочетаниями серого и красно-розового, зеленоватого и серо-оливкового, черного и золотого. Поразительны эффекты серых тонов, то более темных, мягких, бархатистых, то достигающих чистого, свежего жемчужного оттенка. Создавая свои портреты, Веласкес изображает человека таким, каков он есть, в слиянии самых разноречивых черт характера, будь то жестокий временщик Оливарес, хмурый вельможа Хуан Матеос, итальянский кардинал Камило Асталли, полный внутренней энергии неизвестный кабальеро или овеянная благородным изяществом «Дама с веером». В парных картинах «Менипп» и «Эзоп» предстают образы людей, опустившихся нищих бродяг и отвергнутых обществом, но обретших внутреннюю свободу от сковывающих личность условностей. К этому же периоду относится его шедевр «Венера с зеркалом», редчайшее в истории испанской живописи изображение обнаженного женского тела, сюжет, запрещаемый инквизицией. Главные создания Веласкеса позднего периода - крупномасштабные композиции «Менины» («Фрейлены») и «Пряхи». Год издания: 2009Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 101359 KbСкачиваний: 1805

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Альбом посвящен творчеству Веласкеса. Очередной альбом коллекции посвящён крупнейшему представителю испанского барокко Диего Родригес де Сильва Веласкесу (1599-1660). Превосходя современных ему испанских художников не только творческим диапазоном, но и смелостью и новизной художественных решений, Веласкес писал картины на жанровые, мифологические, исторические, религиозные сюжеты, портреты, пейзажи. Человек высокого нравственного благородства, он был назван современниками «художником Истины». Самостоятельность проявилась уже в ранних полотнах севильского периода, созданных в жанре бодегонов (от исп. bodegon - трактир), изображавших кухонные сцены с немногими полуфигурами и выделенными на переднем плане натюрмортами. В этих произведениях с резкими светотеневыми контрастами, тяжелой и плотной живописью, отмеченных воздействием школы Караваджо, господствуют полные естественного достоинства запоминающиеся народные типы («Завтрак», «Старая кухарка», «Водонос»). К жанру бодегонов относятся и немногочисленные ранние религиозные картины Веласкеса («Поклонение волхвов», «Христос в доме Марфы и Марии»). Жизнь в Мадриде, открывшая Веласкесу возможность внимательного изучения ценнейших королевских собраний живописи, близость с испанской культурной элитой и продолжительная поездка в Италию содействовали расширению его художественного кругозора и совершенствованию мастерства. В необычных для испанской традиции картинах на античные сюжеты («Вакх» или «Пьяницы», «Кузница Вулкана»), с их острым чувством житейской достоверности и оттенком иронии, мифологические образы соединены со сценами, приближенными к реальности. В 1634 году Веласкес создаёт масштабное полотно «Сдача Бреды» - одно из самых значительных произведений европейской живописи исторического жанра, в котором с глубокой человечностью охарактеризована каждая из враждующих сторон. Качества новой свободной живописи Веласкеса, его интерес к изображению пейзажной среды, стремление наполнить жизнью схемы парадных изображений отличают его работы после возвращения из Италии. В портретах Веласкеса обычно отсутствуют аксессуары, жест, движение. Серо-коричневый фон кажется воздушным, обладающим глубиной, свободно положенные мазки образуют тончайший слой, сквозь который просвечивает крупнозернистый холст. Строгая темная гамма оживлена изысканнейшими сочетаниями серого и красно-розового, зеленоватого и серо-оливкового, черного и золотого. Поразительны эффекты серых тонов, то более темных, мягких, бархатистых, то достигающих чистого, свежего жемчужного оттенка. Создавая свои портреты, Веласкес изображает человека таким, каков он есть, в слиянии самых разноречивых черт характера, будь то жестокий временщик Оливарес, хмурый вельможа Хуан Матеос, итальянский кардинал Камило Асталли, полный внутренней энергии неизвестный кабальеро или овеянная благородным изяществом «Дама с веером». В парных картинах «Менипп» и «Эзоп» предстают образы людей, опустившихся нищих бродяг и отвергнутых обществом, но обретших внутреннюю свободу от сковывающих личность условностей. К этому же периоду относится его шедевр «Венера с зеркалом», редчайшее в истории испанской живописи изображение обнаженного женского тела, сюжет, запрещаемый инквизицией. Главные создания Веласкеса позднего периода - крупномасштабные композиции «Менины» («Фрейлены») и «Пряхи». Год издания: 2009Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 10105 KbСкачиваний: 1430