«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Альбом посвящен творчеству Сезанна. Французский художник Поль Сезанн (1839-1906) является одним из самых ярких представителей постимпрессионизма. Он был не только великим мастером композиции, но и великим колористом, сравнимым с Тицианом и Рубенсом. В натюрмортах, пейзажах, портретах Сезанн стремился выявить с помощью градаций чистого цвета, устойчивых композиционных построений неизменные качества предметного мира, его пластическое богатство, величие природы и органическое единство её форм. Его зрелые произведения произвели необратимое воздействие на формирование художественного видения в современной живописи. Последующие поколения безоговорочно признали, что Сезанн открыл дорогу в мир современного искусства. В своих натюрмортах, пейзажах, портретах Сезанн стремился передать с помощью градаций чистого цвета устойчивые, непреходящие черты предметного мира и его пластическое богатство, величие природы и органическое единство её форм. Его мало занимали динамика окружающей среды и изменчивость цвета в атмосфере. Свой творческий принцип, выработанный им во 2-й половине 1870-х годов, он назвал «воплощением», реализацией. Пространственные планы мало интересуют Сезанна, он стягивает все изображение в единое живописное поле, так что отдельные перспективные зоны как бы наплывают друг на друга, сливаются. Порой он использует приемы обратной и сферической перспективы. Абсолютно прямые линии редки в его картинах: они то изгибаются, то наклонны. Увлекаясь все более акварельной живописью, он переносит отдельные её приемы и в технику масляной живописи, пишет на белых, специально негрунтованных холстах, красочный слой становится у него все более облегчённым, как бы светящимся изнутри. Краски Сезанна - это градации трёх основных цветов (зеленого, голубого и охристого) и, естественно, белого. В отличие от импрессионистов, любивших изображать прогулки и пикники на природе, у Сезанна никогда в ландшафтах не видно людей. Его многочисленные пейзажи пустынны, более того, в желто-охристых кристаллах домов словно не подразумевается жизнь: это некие саркофаги духа среди пышной южной растительности. Природа выступает сама по себе, как могучая и полная скрытой энергии сила. Творчество периода 1860-х годов имеет ярко выраженный романтический характер: сцены насилия («Убийство»), натюрморты («Натюрморт с черепом и подсвечником»), эротические видения («Оргия»). В числе значительных работ раннего периода - «Портрет отца», «Девушка у пианино». В 1870-е годы начинается серия автопортретов. От «Автопортрета в фуражке» с его некоторой «диковатостью» он переходит к созданию обобщённых образов («Автопортрет»). На рубеже 1880-90 годов Сезанн все больше увлекается т. н. фигурными жанрами («Пьеро и Арлекин», «Игроки в карты»). Многие холсты позднего Сезанна остались незаконченными, в т. ч. и его итоговая композиция «Большие купальщицы», призванная завершить большой цикл и ритмически строго выверенная. Сезанн писал свои обнажённые натуры по воображению, фигуры его часто деформированы, экспрессивны, поставлены в надуманные позы и группы. Год издания: 2010Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 11401 KbСкачиваний: 1359

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Альбом посвящен творчеству Саврасова. Алексей Кондратьевич Саврасов (1830-1897) - выдающийся русский пейзажист, основоположник символистского «пейзажа настроения» в русской живописи, художник с великим творческим потенциалом и трагической судьбой. Раннее творчество Саврасова («Вид на Кремль от Крымского моста в ненастную погоду») развивается всецело в рамках романтизма - с его любовью к бурным метеорологическим эффектам, к резким контрастам переднего и заднего планов. Наиболее зрелым произведением этого периода является «Вид в окрестностях Ораниенбаума», за который Саврасов получил звание академика. Последующие поиски, интенсивные натурные «штудии» приводят к более спокойным, гармонически ясным колористическим и композиционным решениям («Пейзаж с рекой и рыбаком», «Сельский вид»). Всё большее значение в образе получают тонкие светоцветовые эффекты, связывающие воедино почву переднего плана и природные дали («Лосиный остров в Сокольниках», «Лунная ночь. Болото»), умение виртуозно передать круговращение влаги в атмосфере ландшафта («Волга»). В 1871 мастер создает ряд лучших своих работ («Печерский монастырь под Нижним Новгородом», «Разлив Волги под Ярославлем»), в т. ч. знаменитую картину «Грачи прилетели», ставшую самым популярным русским пейзажем, своего рода живописным символом России. Талый снег, весенние грачи на березках, серо-голубое, блеклое небо, тёмные избы и древняя церквушка на фоне стылых дальних лугов, - все сплавилось в образ удивительного поэтического обаяния. Картине свойственен поистине волшебный эффект узнаваемости - причём не только где-то близ Волги, где писались «Грачи», а чуть ли не в любом уголке России. Как метко заметил И. Н. Крамской в своём письме к Ф. А. Васильеву, касаясь других пейзажей на выставке: «всё это деревья, вода и даже воздух, а душа есть только в «Грачах». Незримо зримая «душа», настроение животворит и последующие вещи Саврасова: замечательные московские пейзажи, органично сочетающие бытовую простоту переднего плана с величавыми далями («Сухарева башня», «Вид на Московский Кремль. Весна»), виртуозный по передаче влаги и светотени «Просёлок», сентиментальную «Могилу над Волгой», светозарную «Радугу», меланхолическую картину «Зимний пейзаж. Иней». Саврасов оставил о себе память и как замечательный педагог. Среди его учеников были К. А. Коровин и И. И. Левитан. Год издания: 2010Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 11252 KbСкачиваний: 1367

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Альбом посвящен творчеству Саврасова. Алексей Кондратьевич Саврасов (1830-1897) - выдающийся русский пейзажист, основоположник символистского «пейзажа настроения» в русской живописи, художник с великим творческим потенциалом и трагической судьбой. Раннее творчество Саврасова («Вид на Кремль от Крымского моста в ненастную погоду») развивается всецело в рамках романтизма - с его любовью к бурным метеорологическим эффектам, к резким контрастам переднего и заднего планов. Наиболее зрелым произведением этого периода является «Вид в окрестностях Ораниенбаума», за который Саврасов получил звание академика. Последующие поиски, интенсивные натурные «штудии» приводят к более спокойным, гармонически ясным колористическим и композиционным решениям («Пейзаж с рекой и рыбаком», «Сельский вид»). Всё большее значение в образе получают тонкие светоцветовые эффекты, связывающие воедино почву переднего плана и природные дали («Лосиный остров в Сокольниках», «Лунная ночь. Болото»), умение виртуозно передать круговращение влаги в атмосфере ландшафта («Волга»). В 1871 мастер создает ряд лучших своих работ («Печерский монастырь под Нижним Новгородом», «Разлив Волги под Ярославлем»), в т. ч. знаменитую картину «Грачи прилетели», ставшую самым популярным русским пейзажем, своего рода живописным символом России. Талый снег, весенние грачи на березках, серо-голубое, блеклое небо, тёмные избы и древняя церквушка на фоне стылых дальних лугов, - все сплавилось в образ удивительного поэтического обаяния. Картине свойственен поистине волшебный эффект узнаваемости - причём не только где-то близ Волги, где писались «Грачи», а чуть ли не в любом уголке России. Как метко заметил И. Н. Крамской в своём письме к Ф. А. Васильеву, касаясь других пейзажей на выставке: «всё это деревья, вода и даже воздух, а душа есть только в «Грачах». Незримо зримая «душа», настроение животворит и последующие вещи Саврасова: замечательные московские пейзажи, органично сочетающие бытовую простоту переднего плана с величавыми далями («Сухарева башня», «Вид на Московский Кремль. Весна»), виртуозный по передаче влаги и светотени «Просёлок», сентиментальную «Могилу над Волгой», светозарную «Радугу», меланхолическую картину «Зимний пейзаж. Иней». Саврасов оставил о себе память и как замечательный педагог. Среди его учеников были К. А. Коровин и И. И. Левитан. Год издания: 2010Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 104472 KbСкачиваний: 1137

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Альбом посвящен творчеству Брюллова. Выдающийся художник Карл Павлович Брюллов (1799-1852) - один из наиболее известных представителей романтизма в русской живописи. Произведения Брюллова отмечены утверждением чувственно-пластической красоты человека, драматической напряженностью образов, реалистическими тенденциями, тонким психологизмом. Скучный и казённый «парадный портрет», который по статусу полагалось иметь дворянам и купцам, Брюллов заставил ожить в бытовых или исторических сценках, милых гримасках, мимолётных улыбках, полуоборотах головы, складках платья. Этот художник в душе был писателем и даже в самую малую картину пытался вместить целый роман, придумывая его на ходу. Выехав в Италию как пенсионер Общества поощрения художеств, Брюллов жил и работал там с 1823-го по 1835-й годы. Впечатления «полуденного края», его природы и искусства помогли молодому Брюллову претворить опыт академического классицизма, учебного копирования антиков в живые образы, полные чувственного обаяния. Уже для ранних картин художника характерны виртуозный рисунок и композиция, эмоциональный, теплый колорит («Итальянский полдень», «Вирсавия»). Побывав на месте раскопок трагически погибшего древнеримского города, Брюллов начинает работу над полотном «Последний день Помпеи». Художнику удалось изобразить охваченную единым порывом толпу граждан в роковой момент её исторического бытия, создав тем самым первый пример той многофигурной исторической картины-итога, которую вся русская живопись XIX века осознавала в качестве своей сверхзадачи. «Последний день Помпеи» производит фурор - как на родине мастера, так и за рубежом. В Италии и Франции картину приветствуют как первый триумф русской художественной школы. Н. В. Гоголь посвящает ей одноименную восторженную статью, назвав её «полным, всемирным созданием». Торжественно встреченный на Родине как первый художник России, Брюллов, побуждаемый императором Николаем I, обращается к русскому прошлому. Но картина «Осада Пскова Стефаном Баторием» не стала новым шедевром, поскольку в ней не удалось достичь убедительного композиционного и идейного единства военной и церковной истории. Главной областью, где талант Брюллова царствует полновластно и блистательно, становится портрет. Он пишет бравурные светские портреты, впечатляющие своими сильными красочными и композиционными эффектами («Графиня Ю. П. Самойлова, удаляющаяся с бала с приемной дочерью А. Паччини»). Иное, созерцательно-спокойное настроение доминирует в образах людей искусства, более сдержанных по колориту, который как бы мерцает изнутри формы, подчеркивая духовную значительность моделей («Поэт Н. В. Кукольник», «Скульптор И. П. Витали», «В. А. Жуковский», «И. А. Крылов»). К данному циклу примыкает и «Автопортрет», написанный теплым тоном и легкой кистью, но проникнутый настроениями глубокой меланхолии, усталости и нездоровья. Последние годы своей жизни слабеющий от болезни Брюллов проводит на острове Мадейра и снова в Италии. В этот период художник создаёт экспрессивные, полные тонкой духовной грации портреты («Археолог М. Ланчи», неоконченная картина «Дж. Титтони в образе Жанны д`Арк»), согретые поэтичным юмором зарисовки народного быта. Год издания: 2010Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 98819 KbСкачиваний: 1600

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Альбом посвящен творчеству Брюллова. Выдающийся художник Карл Павлович Брюллов (1799-1852) - один из наиболее известных представителей романтизма в русской живописи. Произведения Брюллова отмечены утверждением чувственно-пластической красоты человека, драматической напряженностью образов, реалистическими тенденциями, тонким психологизмом. Скучный и казённый «парадный портрет», который по статусу полагалось иметь дворянам и купцам, Брюллов заставил ожить в бытовых или исторических сценках, милых гримасках, мимолётных улыбках, полуоборотах головы, складках платья. Этот художник в душе был писателем и даже в самую малую картину пытался вместить целый роман, придумывая его на ходу. Выехав в Италию как пенсионер Общества поощрения художеств, Брюллов жил и работал там с 1823-го по 1835-й годы. Впечатления «полуденного края», его природы и искусства помогли молодому Брюллову претворить опыт академического классицизма, учебного копирования антиков в живые образы, полные чувственного обаяния. Уже для ранних картин художника характерны виртуозный рисунок и композиция, эмоциональный, теплый колорит («Итальянский полдень», «Вирсавия»). Побывав на месте раскопок трагически погибшего древнеримского города, Брюллов начинает работу над полотном «Последний день Помпеи». Художнику удалось изобразить охваченную единым порывом толпу граждан в роковой момент её исторического бытия, создав тем самым первый пример той многофигурной исторической картины-итога, которую вся русская живопись XIX века осознавала в качестве своей сверхзадачи. «Последний день Помпеи» производит фурор - как на родине мастера, так и за рубежом. В Италии и Франции картину приветствуют как первый триумф русской художественной школы. Н. В. Гоголь посвящает ей одноименную восторженную статью, назвав её «полным, всемирным созданием». Торжественно встреченный на Родине как первый художник России, Брюллов, побуждаемый императором Николаем I, обращается к русскому прошлому. Но картина «Осада Пскова Стефаном Баторием» не стала новым шедевром, поскольку в ней не удалось достичь убедительного композиционного и идейного единства военной и церковной истории. Главной областью, где талант Брюллова царствует полновластно и блистательно, становится портрет. Он пишет бравурные светские портреты, впечатляющие своими сильными красочными и композиционными эффектами («Графиня Ю. П. Самойлова, удаляющаяся с бала с приемной дочерью А. Паччини»). Иное, созерцательно-спокойное настроение доминирует в образах людей искусства, более сдержанных по колориту, который как бы мерцает изнутри формы, подчеркивая духовную значительность моделей («Поэт Н. В. Кукольник», «Скульптор И. П. Витали», «В. А. Жуковский», «И. А. Крылов»). К данному циклу примыкает и «Автопортрет», написанный теплым тоном и легкой кистью, но проникнутый настроениями глубокой меланхолии, усталости и нездоровья. Последние годы своей жизни слабеющий от болезни Брюллов проводит на острове Мадейра и снова в Италии. В этот период художник создаёт экспрессивные, полные тонкой духовной грации портреты («Археолог М. Ланчи», неоконченная картина «Дж. Титтони в образе Жанны д`Арк»), согретые поэтичным юмором зарисовки народного быта. Год издания: 2010Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 10972 KbСкачиваний: 1280

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Альбом посвящен творчеству Гойи. С именем великого испанского художника Франсиско Хосе де Гойи-и-Лусиентеса (1746-1828) связано становление искусства Нового времени. Его творчество оказало огромное воздействие на мировую культуру XIX-XX веков не только в живописи и графике, но и в литературе, драматургии, театре и кино. Сияющие яркие цвета в живописи и драматические эффекты светотени в графике повляили на развитие импрессионизма во Франции, в особенности на Клода Моне и Огюста Ренуара. Гойя сложился в крупного художника сравнительно поздно. Первый значительный успех ему принесли две серии (1776-1791) многочисленных панно, созданных для Королевской мануфактуры Санта Барбара в Мадриде. Эту декоративную в своей основе живопись, изображавшую уличные сценки, празднества, прогулки, игры городской молодежи, художник обогатил новыми композициями, укрупнением фигур, непосредственным ощущением национальной жизни, воспринятой им как бы изнутри («Завтрак на берегу Мансанареса», «Зонтик», «Маха и её поклонники», «Слепой гитарист», «Игра в жмурки» и многие другие). С 1780-х годов Гойя становится известным портретистом, но его заказные работы еще во многом отражают зависимость от Веласкеса («Карл III на охоте»). Пережитый им в конце 1790-х годов душевный кризис усугубляется потерей слуха в результате тяжёлой болезни. Обличительная сила его творчества находит воплощение в знаменитой графической серии «Капричос» («Причуды»), включившей Гойю в число крупнейших мастеров мирового графического искусства. В многослойную струну «Капричос» вплетены отзвуки политической карикатуры Французской революции, народного испанского лубка, демонология средневековья и сатирические традиции испанской литературы «золотого века». Реальные жизненные наблюдения сливаются с безудержной фантазией художника. В начале XIX века в портретах Гойи проступают новые тенденции, близкие к художественным идеалам эпохи романтизма. Изображённые им люди отличаются энергией, уверенностью в своих силах, наделены ярко выраженными национальными чертами (портреты графа де Фернана Нуньеса, маркизы де Сан Адриана и единственное произведение мастера в российских собраниях - «Портрет актрисы Антонии Сарате», Эрмитаж). В картинах «Одетая маха» и «Обнаженная маха» воплощён далекий от академических канонов, характерный для испанок тип чувственной женской красоты. Мировую известность получил живописный исторический диптих, запечатлевший трагедию наполеоновского нашествия: «Восстание на Пуэрта дель Соль 2 мая 1808 года» и «Расстрел мадридских повстанцев в ночь на 3 мая». Позднее творчество Гойи совпадает с годами реакции после разгрома двух испанских революций. Стены загородного дома в Мадриде («Кинта дель Сордо» - «Дом глухого») он расписал маслом, создав 14 уникальных по мощному художественному воздействию панно, полных иносказаний, намеков, сложных ассоциаций. В росписях господствует дьявольское, противоестественное начало, зловещее изображение возникает как в кошмарном сне, набор красок суров, скуп, почти монохромен - черное, белое, рыже-красноватое, охра; мазки размашисты и стремительны. Графическая параллель росписям Кинты - серия офортов «Диспаратес» («Пословицы») с ещё более сложной и мрачной символикой. Однако даже в картинах позднего периода он сохраняет ощущение немеркнущей красоты жизни («Водоноска», «Похороны сардинки», «Прогулка», «Молочница из Бордо»), а в «Автопортрете с расстёгнутым воротом» предстаёт полным творческой воли. Большинство работ художника собраны в коллекции мадридского музея «Прадо». Год издания: 2010Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 95896 KbСкачиваний: 1886

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Альбом посвящен творчеству Гойи. С именем великого испанского художника Франсиско Хосе де Гойи-и-Лусиентеса (1746-1828) связано становление искусства Нового времени. Его творчество оказало огромное воздействие на мировую культуру XIX-XX веков не только в живописи и графике, но и в литературе, драматургии, театре и кино. Сияющие яркие цвета в живописи и драматические эффекты светотени в графике повляили на развитие импрессионизма во Франции, в особенности на Клода Моне и Огюста Ренуара. Гойя сложился в крупного художника сравнительно поздно. Первый значительный успех ему принесли две серии (1776-1791) многочисленных панно, созданных для Королевской мануфактуры Санта Барбара в Мадриде. Эту декоративную в своей основе живопись, изображавшую уличные сценки, празднества, прогулки, игры городской молодежи, художник обогатил новыми композициями, укрупнением фигур, непосредственным ощущением национальной жизни, воспринятой им как бы изнутри («Завтрак на берегу Мансанареса», «Зонтик», «Маха и её поклонники», «Слепой гитарист», «Игра в жмурки» и многие другие). С 1780-х годов Гойя становится известным портретистом, но его заказные работы еще во многом отражают зависимость от Веласкеса («Карл III на охоте»). Пережитый им в конце 1790-х годов душевный кризис усугубляется потерей слуха в результате тяжёлой болезни. Обличительная сила его творчества находит воплощение в знаменитой графической серии «Капричос» («Причуды»), включившей Гойю в число крупнейших мастеров мирового графического искусства. В многослойную струну «Капричос» вплетены отзвуки политической карикатуры Французской революции, народного испанского лубка, демонология средневековья и сатирические традиции испанской литературы «золотого века». Реальные жизненные наблюдения сливаются с безудержной фантазией художника. В начале XIX века в портретах Гойи проступают новые тенденции, близкие к художественным идеалам эпохи романтизма. Изображённые им люди отличаются энергией, уверенностью в своих силах, наделены ярко выраженными национальными чертами (портреты графа де Фернана Нуньеса, маркизы де Сан Адриана и единственное произведение мастера в российских собраниях - «Портрет актрисы Антонии Сарате», Эрмитаж). В картинах «Одетая маха» и «Обнаженная маха» воплощён далекий от академических канонов, характерный для испанок тип чувственной женской красоты. Мировую известность получил живописный исторический диптих, запечатлевший трагедию наполеоновского нашествия: «Восстание на Пуэрта дель Соль 2 мая 1808 года» и «Расстрел мадридских повстанцев в ночь на 3 мая». Позднее творчество Гойи совпадает с годами реакции после разгрома двух испанских революций. Стены загородного дома в Мадриде («Кинта дель Сордо» - «Дом глухого») он расписал маслом, создав 14 уникальных по мощному художественному воздействию панно, полных иносказаний, намеков, сложных ассоциаций. В росписях господствует дьявольское, противоестественное начало, зловещее изображение возникает как в кошмарном сне, набор красок суров, скуп, почти монохромен - черное, белое, рыже-красноватое, охра; мазки размашисты и стремительны. Графическая параллель росписям Кинты - серия офортов «Диспаратес» («Пословицы») с ещё более сложной и мрачной символикой. Однако даже в картинах позднего периода он сохраняет ощущение немеркнущей красоты жизни («Водоноска», «Похороны сардинки», «Прогулка», «Молочница из Бордо»), а в «Автопортрете с расстёгнутым воротом» предстаёт полным творческой воли. Большинство работ художника собраны в коллекции мадридского музея «Прадо». Год издания: 2010Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 10651 KbСкачиваний: 1579

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Альбом посвящен творчеству Дега. Одного из гениальнейших французских художников Эдгар Дега (1834-1917) традиционно относят к импрессионистам, однако в чистом виде он таким не является. С одной стороны Дега равнодушен к краеугольному камню импрессионизма - пейзажам. С другой - использует приемы «конкурентов» и преклоняется перед классической живописью. Однако главное сходство остаётся - неутолимое стремление запечатлеть мгновение. Иногда - прекрасное. Иногда - не очень. Но всегда - реальное. По технике художник часто приближался к фотоискусству, но не к современному Дега, а к будущему, которое расцветёт лишь к середине XX века. Он настолько тщательно продумывал композицию, что возникало ощущение случайно сделанного кадра. А следовательно - удачно пойманного мгновения. Картины отличаются острым, динамичным восприятием современной жизни, со строго выверенной асимметричной композицией, гибким и точным рисунком, неожиданными ракурсами фигур. Большое влияние на молодого живописца оказал Энгр, которого Дега считал крупнейшим живопицем современности. В начале творческого пути он пишет портреты родственников, друзей, автопортреты: «Рене де Га с чернильницей», «Автопортрет», «Семья Беллели», «Портрет отца, слушающего гитариста Паганса». Наряду с влиянием Энгра в работах Дега ощутима связь с традициями французского Ренессанса. Он пишет картины на исторические темы: «Молодые спартанки, вызывающие на состязание спартанцев», «Семирамида на строительстве Вавилона». Однако в картинах Дега не стремится следовать классическим образцам и идеалам - фигуры его угловаты, худы, движения их резки, формы далеки от совершенства. Дега выставляется на выставках импрессионистов, начиная с первой (1874) и заканчивая последней (1886). Однако он не всё принимает в их методе. Дега больше волнует жизнь города, а не пейзаж. Он стремится передать мгновенное, неуловимое движение - отсюда его интерес к миру театра, кулис, балету, цирку, скачкам: балерины, летящие к финишу кони, азартные, ловкие жокеи, взволнованные толпы зрителей. Дега - блестящий рисовальщик, душа его искусства - линия, быстрая, точная, стремительная. Несколько штрихов бывает достаточно, чтобы схватить характерную позу, профессиональный жест: «Жокеи перед трибунами», «Скачки в провинции», «Молодой жокей», «Мадемуазель Фьокр в балете «Источник», «Оркестр оперы», «Звезда», «Голубые танцовщицы», «Репетиция балета на сцене». Дега мастерски передает движения человека в быту, взгляд его здесь порой ироничен и насмешлив: «После ванны», «Перед сном», «Причесывающаяся». Дега много путешествовал по Франции, побывал в Бельгии, в Америке. Но главное место его наблюдений - Париж. Именно здесь он создаёт знаменитые полотна «Абсент» и «Гладильщицы». Дега - тонкий колорист, его пастели то гармоничные, светлые, то, напротив, построены на резких цветовых контрастах. Картины его кажутся случайно выхваченными из потока жизни сценами, но «случайность» эта - плод продуманной композиции, где срезанный фрагмент фигуры, здания подчеркивает непосредственность впечатления. Год издания: 2010Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 108511 KbСкачиваний: 1743

«Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Альбом посвящен творчеству Дега. Одного из гениальнейших французских художников Эдгар Дега (1834-1917) традиционно относят к импрессионистам, однако в чистом виде он таким не является. С одной стороны Дега равнодушен к краеугольному камню импрессионизма - пейзажам. С другой - использует приемы «конкурентов» и преклоняется перед классической живописью. Однако главное сходство остаётся - неутолимое стремление запечатлеть мгновение. Иногда - прекрасное. Иногда - не очень. Но всегда - реальное. По технике художник часто приближался к фотоискусству, но не к современному Дега, а к будущему, которое расцветёт лишь к середине XX века. Он настолько тщательно продумывал композицию, что возникало ощущение случайно сделанного кадра. А следовательно - удачно пойманного мгновения. Картины отличаются острым, динамичным восприятием современной жизни, со строго выверенной асимметричной композицией, гибким и точным рисунком, неожиданными ракурсами фигур. Большое влияние на молодого живописца оказал Энгр, которого Дега считал крупнейшим живопицем современности. В начале творческого пути он пишет портреты родственников, друзей, автопортреты: «Рене де Га с чернильницей», «Автопортрет», «Семья Беллели», «Портрет отца, слушающего гитариста Паганса». Наряду с влиянием Энгра в работах Дега ощутима связь с традициями французского Ренессанса. Он пишет картины на исторические темы: «Молодые спартанки, вызывающие на состязание спартанцев», «Семирамида на строительстве Вавилона». Однако в картинах Дега не стремится следовать классическим образцам и идеалам - фигуры его угловаты, худы, движения их резки, формы далеки от совершенства. Дега выставляется на выставках импрессионистов, начиная с первой (1874) и заканчивая последней (1886). Однако он не всё принимает в их методе. Дега больше волнует жизнь города, а не пейзаж. Он стремится передать мгновенное, неуловимое движение - отсюда его интерес к миру театра, кулис, балету, цирку, скачкам: балерины, летящие к финишу кони, азартные, ловкие жокеи, взволнованные толпы зрителей. Дега - блестящий рисовальщик, душа его искусства - линия, быстрая, точная, стремительная. Несколько штрихов бывает достаточно, чтобы схватить характерную позу, профессиональный жест: «Жокеи перед трибунами», «Скачки в провинции», «Молодой жокей», «Мадемуазель Фьокр в балете «Источник», «Оркестр оперы», «Звезда», «Голубые танцовщицы», «Репетиция балета на сцене». Дега мастерски передает движения человека в быту, взгляд его здесь порой ироничен и насмешлив: «После ванны», «Перед сном», «Причесывающаяся». Дега много путешествовал по Франции, побывал в Бельгии, в Америке. Но главное место его наблюдений - Париж. Именно здесь он создаёт знаменитые полотна «Абсент» и «Гладильщицы». Дега - тонкий колорист, его пастели то гармоничные, светлые, то, напротив, построены на резких цветовых контрастах. Картины его кажутся случайно выхваченными из потока жизни сценами, но «случайность» эта - плод продуманной композиции, где срезанный фрагмент фигуры, здания подчеркивает непосредственность впечатления. Год издания: 2010Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 12318 KbСкачиваний: 1420

Издательский дом «Комсомольская правда» запустил свой новый проект о выдающихся мастерах живописи - «Великие художники». В этой книжной серии запланировано выпустить 30 альбомов в твёрдой обложке, в состав каждого из которых издатели обещают включить более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Василий Иванович Суриков (1848-1916) является одним из лучших мастером русской исторической картины, соединившим реализм XIX века с ярким живописным новаторством. По словам историка искусства Александра Бенуа, «значение Сурикова… для русского общества огромно. Лишь очень редкие художники, одарённые почти пророческой… митстической способностью, могут перенестись в прошлое., разглядеть в тусклых его сумерках минувшую жизнь… Для них далёкое прошлое целого народа всё ещё ясно, всё ещё теперь, всё ещё полно прелести, смысла и драматизма». Через сложную гамму живых эмоций наблюдателей Суриков показывает трагизм многих исторических событий древней Руси и русский национальный характер. Он словно перемещает зрителя в гущу изображенной на картине толпы, всегда состоящей из отдельных ярких персонажей, заставляя переживать те же чувства, что испытывают герои. Столь же умело художник передает дух эпохи с помощью подробных деталей одежды, архитектуры и предметов быта. Более того, произведения Сурикова настолько достоверны, словно он сам был реальным свидетелем, а то и непосредственным участником давних событий, запечатленных на холсте. Мастер создал немало характерных портретов великих исторических личностей и множество типажей простых русских людей. В ранний период своего творчества Суриков проявил себя как мастер пейзажа, причём пейзажа историко-ассоциативного («Вид памятника Петру I в Петербурге»). Переезд молодого художника в Москву, впечатления от старинной московской архитектуры явились важным стимулом на пути к первому его историческому шедевру - картине «Утро стрелецкой казни». Избрав сюжетом финальный эпизод последнего стрелецкого бунта 1698 года - казнь мятежников на Красной площади под личным присмотром Петра I - Суриков показывает народное противодействие царским реформам сверху. При этом противостояние народа и царя - или же, в еще более масштабном плане, русского средневековья и ранних рубежей русской новой истории - явлено в виде монументальной трагедии, причем трагедии, где ни одна из сторон не остается победителем, взаимно свидетельствуя о неразрешимости конфликта. Свою репутацию выдающегося живописца-историка Суриков закрепляет в картинах «Меншиков в Березове» и «Боярыня Морозова», которые наряду с «Утром стрелецкой казни» составляют вершину суриковского творчества. Почти адекватно им «Взятие снежного городка». Последующие монументальные полотна художника («Покорение Сибири Ермаком», «Переход Суворова через Альпы», «Степан Разин»), несмотря на всё мастерство режиссуры многофигурных сцен, представляют определенного рода спад. В эпических сценах колониальной экспансии России в Сибирь, антифранцузской кампании России в швейцарских Альпах, наконец, разбойничьей вольницы XVII века отсутствует та драматургическая сложность, которая придает особое пластическое и психологическое богатство трём великим картинам Сурикова. В процессе работы над большими картинами, ревностно подбирая натуру, Суриков пишет массу замечательных портретов, пейзажей, натюрмортных и интерьерных композиций, имеющих и вполне самоценный эстетический смысл. Среди поздних картин Сурикова следует в первую очередь отметить «Посещение царевной женского монастыря» и «Благовещение», где он стремится к более ёмкой выразительности форм и цвета. В этот период он также пишет ряд лучших своих портретов, по-прежнему лаконически простых композиционно, темных по тону, полных внутреннего драматизма («Автопортрет», «Человек с больной рукой»). Год издания: 2010Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 101044 KbСкачиваний: 1468

Издательский дом «Комсомольская правда» запустил свой новый проект о выдающихся мастерах живописи - «Великие художники». В этой книжной серии запланировано выпустить 30 альбомов в твёрдой обложке, в состав каждого из которых издатели обещают включить более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Василий Иванович Суриков (1848-1916) является одним из лучших мастером русской исторической картины, соединившим реализм XIX века с ярким живописным новаторством. По словам историка искусства Александра Бенуа, «значение Сурикова… для русского общества огромно. Лишь очень редкие художники, одарённые почти пророческой… митстической способностью, могут перенестись в прошлое., разглядеть в тусклых его сумерках минувшую жизнь… Для них далёкое прошлое целого народа всё ещё ясно, всё ещё теперь, всё ещё полно прелести, смысла и драматизма». Через сложную гамму живых эмоций наблюдателей Суриков показывает трагизм многих исторических событий древней Руси и русский национальный характер. Он словно перемещает зрителя в гущу изображенной на картине толпы, всегда состоящей из отдельных ярких персонажей, заставляя переживать те же чувства, что испытывают герои. Столь же умело художник передает дух эпохи с помощью подробных деталей одежды, архитектуры и предметов быта. Более того, произведения Сурикова настолько достоверны, словно он сам был реальным свидетелем, а то и непосредственным участником давних событий, запечатленных на холсте. Мастер создал немало характерных портретов великих исторических личностей и множество типажей простых русских людей. В ранний период своего творчества Суриков проявил себя как мастер пейзажа, причём пейзажа историко-ассоциативного («Вид памятника Петру I в Петербурге»). Переезд молодого художника в Москву, впечатления от старинной московской архитектуры явились важным стимулом на пути к первому его историческому шедевру - картине «Утро стрелецкой казни». Избрав сюжетом финальный эпизод последнего стрелецкого бунта 1698 года - казнь мятежников на Красной площади под личным присмотром Петра I - Суриков показывает народное противодействие царским реформам сверху. При этом противостояние народа и царя - или же, в еще более масштабном плане, русского средневековья и ранних рубежей русской новой истории - явлено в виде монументальной трагедии, причем трагедии, где ни одна из сторон не остается победителем, взаимно свидетельствуя о неразрешимости конфликта. Свою репутацию выдающегося живописца-историка Суриков закрепляет в картинах «Меншиков в Березове» и «Боярыня Морозова», которые наряду с «Утром стрелецкой казни» составляют вершину суриковского творчества. Почти адекватно им «Взятие снежного городка». Последующие монументальные полотна художника («Покорение Сибири Ермаком», «Переход Суворова через Альпы», «Степан Разин»), несмотря на всё мастерство режиссуры многофигурных сцен, представляют определенного рода спад. В эпических сценах колониальной экспансии России в Сибирь, антифранцузской кампании России в швейцарских Альпах, наконец, разбойничьей вольницы XVII века отсутствует та драматургическая сложность, которая придает особое пластическое и психологическое богатство трём великим картинам Сурикова. В процессе работы над большими картинами, ревностно подбирая натуру, Суриков пишет массу замечательных портретов, пейзажей, натюрмортных и интерьерных композиций, имеющих и вполне самоценный эстетический смысл. Среди поздних картин Сурикова следует в первую очередь отметить «Посещение царевной женского монастыря» и «Благовещение», где он стремится к более ёмкой выразительности форм и цвета. В этот период он также пишет ряд лучших своих портретов, по-прежнему лаконически простых композиционно, темных по тону, полных внутреннего драматизма («Автопортрет», «Человек с больной рукой»). Год издания: 2010Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 11594 KbСкачиваний: 1210

Одно из главных мест во французском искусстве второй половины XIX века принадлежит импрессионизму, особая роль в становлении которого принадлежит Эдуарду Мане (1832-1883). Художник выбирал из бесконечного потока жизни мимолётный фрагмент, стремясь передать свежесть впечатления, создать у зрителя ощущение, что он свидетель происходящего, что каждое мгновение может быть исполнено поэзии и художественной ценности. Работам Мане присущи свежесть и острота восприятия. Первое значительное произведение - картина «Любитель абсента», в которой в традиции живописи Веласкеса представлен деклассированный пропойца - наследник романтических бродяг. Одновременно художник разрабатывает «испанскую» тему. Так, он создает «Лолу из Валенсии» - портрет испанской артистки на фоне театральных кулис, «сокровище с розово-черным мерцанием» (Бодлер). К «испанскому» циклу относятся также «Гитарерро» и «Викторина Меран в костюме эспады». В 1863 году Мане пишет картину «Завтрак на траве», которая под названием «Купание» была выставлена в скандально известном Салоне отверженных, где экспонировались произведения, не принятые официальным жюри. Разрушая традиционные каноны бытовой живописи, в частности, отказываясь от чёткой сюжетной мотивировки, Мане воспользовался иконографическими мотивами картин «Концерт» Тициана, «Паломничество на остров Киферу» Ватто и «Девушки на берегу Сены» Курбе, а для построения композиции - гравюрой Раймонди с рисунка Рафаэля «Суд Париса». В том же году Мане пишет «Олимпию». В представленном здесь образе обнаженной женщины на ложе (как и в «Завтраке на траве», это Викторина Меран; в ногах женщины помещена чёрная кошка - бодлеровский символ из «Цветов зла»). В 1860-е годы создаются «Самоубийца», «Пейзаж с катафалком», «Христос и ангелы», «Мёртвый тореро», «Расстрел императора Максимилиана в Кверетаро». После смерти Бодлера художник сближается с Эмилем Золя, пишет его портрет. В 1874 году Мане едет в «малую столицу импрессионизма» - Аржантей, где работают Клод Моне и Огюст Ренуар. Его увлекают возможности пленэрной живописи, мазок в его картинах становится более дробным, способным чутко улавливать и передавать нюансы изменчивой жизни природы. Однако Мане не до конца принимает принципы нового искусства, о чем свидетельствует картина «Аржантей». В парных композициях начала 1880-х годов «Весна. Портрет Демарси» и «Осень. Портрет Лоран», где изображённые артистки представлены как аллегории времён года, ощущается некое предчувствие стиля модерн: плоскостный фон ритмизован изображением цветов, а фигуры показаны в профиль. Синтезом предшествующих художественных исканий Мане явилась картина «Бар «Фоли-Бержер». Скучающая барменша на фоне огромного зеркала, в котором отражается зал с посетителями и полуфигура пытающегося с ней заговорить клиента, кажется одинокой среди великолепия разноцветных бутылок с яркими наклейками и с цветной фольгой на горлышках, цветов в бокале и фруктов в хрустальной вазе. Тема «выключенности» человека из среды остаётся главной в творчестве художника. В книжной серии ИД «Комсомольская правда» «Великие художники» запланировано выпустить более 70 альбомов, в состав каждого из которых издатели обещают включить более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Год издания: 2010Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 103024 KbСкачиваний: 1943

Одно из главных мест во французском искусстве второй половины XIX века принадлежит импрессионизму, особая роль в становлении которого принадлежит Эдуарду Мане (1832-1883). Художник выбирал из бесконечного потока жизни мимолётный фрагмент, стремясь передать свежесть впечатления, создать у зрителя ощущение, что он свидетель происходящего, что каждое мгновение может быть исполнено поэзии и художественной ценности. Работам Мане присущи свежесть и острота восприятия. Первое значительное произведение - картина «Любитель абсента», в которой в традиции живописи Веласкеса представлен деклассированный пропойца - наследник романтических бродяг. Одновременно художник разрабатывает «испанскую» тему. Так, он создает «Лолу из Валенсии» - портрет испанской артистки на фоне театральных кулис, «сокровище с розово-черным мерцанием» (Бодлер). К «испанскому» циклу относятся также «Гитарерро» и «Викторина Меран в костюме эспады». В 1863 году Мане пишет картину «Завтрак на траве», которая под названием «Купание» была выставлена в скандально известном Салоне отверженных, где экспонировались произведения, не принятые официальным жюри. Разрушая традиционные каноны бытовой живописи, в частности, отказываясь от чёткой сюжетной мотивировки, Мане воспользовался иконографическими мотивами картин «Концерт» Тициана, «Паломничество на остров Киферу» Ватто и «Девушки на берегу Сены» Курбе, а для построения композиции - гравюрой Раймонди с рисунка Рафаэля «Суд Париса». В том же году Мане пишет «Олимпию». В представленном здесь образе обнаженной женщины на ложе (как и в «Завтраке на траве», это Викторина Меран; в ногах женщины помещена чёрная кошка - бодлеровский символ из «Цветов зла»). В 1860-е годы создаются «Самоубийца», «Пейзаж с катафалком», «Христос и ангелы», «Мёртвый тореро», «Расстрел императора Максимилиана в Кверетаро». После смерти Бодлера художник сближается с Эмилем Золя, пишет его портрет. В 1874 году Мане едет в «малую столицу импрессионизма» - Аржантей, где работают Клод Моне и Огюст Ренуар. Его увлекают возможности пленэрной живописи, мазок в его картинах становится более дробным, способным чутко улавливать и передавать нюансы изменчивой жизни природы. Однако Мане не до конца принимает принципы нового искусства, о чем свидетельствует картина «Аржантей». В парных композициях начала 1880-х годов «Весна. Портрет Демарси» и «Осень. Портрет Лоран», где изображённые артистки представлены как аллегории времён года, ощущается некое предчувствие стиля модерн: плоскостный фон ритмизован изображением цветов, а фигуры показаны в профиль. Синтезом предшествующих художественных исканий Мане явилась картина «Бар «Фоли-Бержер». Скучающая барменша на фоне огромного зеркала, в котором отражается зал с посетителями и полуфигура пытающегося с ней заговорить клиента, кажется одинокой среди великолепия разноцветных бутылок с яркими наклейками и с цветной фольгой на горлышках, цветов в бокале и фруктов в хрустальной вазе. Тема «выключенности» человека из среды остаётся главной в творчестве художника. В книжной серии ИД «Комсомольская правда» «Великие художники» запланировано выпустить более 70 альбомов, в состав каждого из которых издатели обещают включить более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Год издания: 2010Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 11461 KbСкачиваний: 1389

Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) - художник разностороннего таланта, вошедший в русское искусство как автор значительных произведений бытового жанра, оригинальных пейзажей и глубоких портретов. Кустодиев прославился своими национально-романтическими картинами, благодаря которым стал одним из самых популярных мастеров русского модерна. Творчество живописца ассоциируется с красочным миром ярмарок и шумным праздничным раздольем. Для становления Кустодиева как художника наибольшее значение имели уроки И. Е. Репина в петербургской Академии художеств, где он учился в 1896-1903 годах. Репин сделал молодого мастера одним из соавторов своей картины «Заседание Государственного Совета». Кустодиев продемонстрировал замечательное мастерство портретиста и в самостоятельных своих портретах-картинах начала века, элегантных и экспрессивных («И. Я. Билибин», «Семья Поленовых»). Художник жил преимущественно в Петербурге и Москве, постоянно наезжая в живописные уголки русской провинции. Особое впечатление всегда оказывали на художника города и села Верхней Волги - Кострома, Кинешма, Нижний Новгород. Здесь зарождались его прославленные образы крестьянского, мещанского, купеческого быта, «ярмарки», «масленицы», «деревенские праздники», которые складывались в большие серии картин маслом, гуашей и акварелей, где художник многократно варьировал исходный мотив - с неизменно красочным, пестрым, мажорным, колористически близким народному искусству эффектом. Мастер пишет также жанровые портреты-типажи, где фигуры предстают олицетворениями русской провинции как таковой («Купчиха», «Купчиха за чаем»), окружает живой жанрово-пейзажной средой и собственно портретных персонажей («Ф. И. Шаляпин»). С годами в его композициях нарастает иронически-театральное начало, крепнет общее чувство идиллической, либо чуть печальной и ностальгической, ирреальности («все мои картины - сплошная иллюзия», - говорил сам Кустодиев). Тяжёлая болезнь приковывает Кустодиева с 1916 года к инвалидному креслу, но он продолжает работать чрезвычайно активно и самобытно. Мотивы радостного обновления доминируют в его картинах с новой, революционной тематикой («Большевик», «Праздник II конгресса Коминтерна на площади Урицкого»). Он создаёт агитационную графику в духе народного лубка. Все произведения мастера очень выразительны и наполнены неповторимой русской самобытностью.Год издания: 2010Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 119832 KbСкачиваний: 1567

Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) - художник разностороннего таланта, вошедший в русское искусство как автор значительных произведений бытового жанра, оригинальных пейзажей и глубоких портретов. Кустодиев прославился своими национально-романтическими картинами, благодаря которым стал одним из самых популярных мастеров русского модерна. Творчество живописца ассоциируется с красочным миром ярмарок и шумным праздничным раздольем. Для становления Кустодиева как художника наибольшее значение имели уроки И. Е. Репина в петербургской Академии художеств, где он учился в 1896-1903 годах. Репин сделал молодого мастера одним из соавторов своей картины «Заседание Государственного Совета». Кустодиев продемонстрировал замечательное мастерство портретиста и в самостоятельных своих портретах-картинах начала века, элегантных и экспрессивных («И. Я. Билибин», «Семья Поленовых»). Художник жил преимущественно в Петербурге и Москве, постоянно наезжая в живописные уголки русской провинции. Особое впечатление всегда оказывали на художника города и села Верхней Волги - Кострома, Кинешма, Нижний Новгород. Здесь зарождались его прославленные образы крестьянского, мещанского, купеческого быта, «ярмарки», «масленицы», «деревенские праздники», которые складывались в большие серии картин маслом, гуашей и акварелей, где художник многократно варьировал исходный мотив - с неизменно красочным, пестрым, мажорным, колористически близким народному искусству эффектом. Мастер пишет также жанровые портреты-типажи, где фигуры предстают олицетворениями русской провинции как таковой («Купчиха», «Купчиха за чаем»), окружает живой жанрово-пейзажной средой и собственно портретных персонажей («Ф. И. Шаляпин»). С годами в его композициях нарастает иронически-театральное начало, крепнет общее чувство идиллической, либо чуть печальной и ностальгической, ирреальности («все мои картины - сплошная иллюзия», - говорил сам Кустодиев). Тяжёлая болезнь приковывает Кустодиева с 1916 года к инвалидному креслу, но он продолжает работать чрезвычайно активно и самобытно. Мотивы радостного обновления доминируют в его картинах с новой, революционной тематикой («Большевик», «Праздник II конгресса Коминтерна на площади Урицкого»). Он создаёт агитационную графику в духе народного лубка. Все произведения мастера очень выразительны и наполнены неповторимой русской самобытностью. Год издания: 2010Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 15185 KbСкачиваний: 1381

Николай Константинович Рерих - российский живописец, театральный живописец, археолог, турист, писатель, философ-мистик, один из самых ясных и знаменитых мастеров российского символизма и модерна, человек-легенда. Живописи Рерих учился в Академии художеств у Куинджи и в студии Кормона в Париже. Был членом соединения "Мир умения", занимая пост его председателя в 1910-1918 годах. «Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Год издания: 2009Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 101572 KbСкачиваний: 1617

Николай Константинович Рерих - российский живописец, театральный живописец, археолог, турист, писатель, философ-мистик, один из самых ясных и знаменитых мастеров российского символизма и модерна, человек-легенда. Живописи Рерих учился в Академии художеств у Куинджи и в студии Кормона в Париже. Был членом соединения "Мир умения", занимая пост его председателя в 1910-1918 годах. «Великие художники» - собрание о выдающихся мастерах живописи. Книжная серия содержит более 50 иллюстраций, «изящно написанную» биографию художника и историю создания картин. Год издания: 2009Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 11152 KbСкачиваний: 1378

Виктор Михайлович Васнецов (1848-1926) - основоположник особого «русского стиля» внутри общеевропейского символизма и модерна. Художник прославился своими жаровыми, лирическими и монументально-эпическими полотнами на темы русской истории, народных былин и сказок. Выступал также как театральный художник и живописец-монументалист. Творческая биография Васнецова отчетливо делится на два больших периода. В первом он следует принципам передвижнического социально-критического жанра. Среди героев картин - петербургская беднота, например, чета обнищавших стариков, меняющая жилище («С квартиры на квартиру»). Добродушного юмора полна картина «Преферанс», иронизирующая над унынием мещанской жизни. Подъём общественного интереса к национальным древностям в последние десятилетия XIX века приводит к решительным сдвигам в творчестве художника. Обращаясь к темам фольклорной мифологии, он радикально реформирует русский исторический жанр, сочетая исторические реалии, воспроизведенные с археологической достоверностью, с волнующей атмосферой легенды. Среди его популярных полотен этого периода - картины «После побоища Игоря Святославича с половцами» (по мотивам «Слова о полку Игореве»), «Аленушка», «Царь Иван Васильевич Грозный». Наибольшую известность получила картина «Три богатыря» с фигурами конных витязей Ильи Муромца, Добрыни Никитича и Алеши Поповича, охраняющих границы Отечества. На смену ранним психологическим новеллам приходит монументальный эпос. Ряд произведений («Три царевны подземного царства») уже несёт в себе все характерные черты декоративной картины-панно стиля модерн, основанной на поэтике символизма, которая размывает границы между сказочной фантастикой и реальностью. У русских и зарубежных ценителей (в частности, у А. А. Блока и Р. М. Рильке ) творчество нового, «эпического» Васнецова находит горячий отклик как выражение «нового русского стиля». Васнецов проявил себя также как большой мастер декоративной живописи. Самым крупным его свершением в области монументального искусства явились росписи киевского Владимирского собора. Стремясь по возможности обновить византийские каноны, художник вносит в религиозные образы лирическое, личностное начало, обрамляет их фольклорным орнаментом. Поздний период творчества художника исполнен мрачных переживаний. Ужасы революционного террора начала века толкают его в лагерь правых экстремистов национал-шовинистического толка. Полны сложного аллегорического подтекста картины «Царевна-Лягушка» и «Бой Добрыни Никитича с семиглавым Змеем Горынычем». Общественность воспринимала их как выражение тревожных раздумий мастера по поводу назревавшей и свершившейся социальной катастрофы. После революции он не принимает активного участия в художественной жизни, но продолжает работать, создав, в частности, ряд значительных портретов, в том числе неоконченный портрет художника М. В. Нестерова.Год издания: 2010Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 105515 KbСкачиваний: 1869

Виктор Михайлович Васнецов (1848-1926) - основоположник особого «русского стиля» внутри общеевропейского символизма и модерна. Художник прославился своими жаровыми, лирическими и монументально-эпическими полотнами на темы русской истории, народных былин и сказок. Выступал также как театральный художник и живописец-монументалист. Творческая биография Васнецова отчетливо делится на два больших периода. В первом он следует принципам передвижнического социально-критического жанра. Среди героев картин - петербургская беднота, например, чета обнищавших стариков, меняющая жилище («С квартиры на квартиру»). Добродушного юмора полна картина «Преферанс», иронизирующая над унынием мещанской жизни. Подъём общественного интереса к национальным древностям в последние десятилетия XIX века приводит к решительным сдвигам в творчестве художника. Обращаясь к темам фольклорной мифологии, он радикально реформирует русский исторический жанр, сочетая исторические реалии, воспроизведенные с археологической достоверностью, с волнующей атмосферой легенды. Среди его популярных полотен этого периода - картины «После побоища Игоря Святославича с половцами» (по мотивам «Слова о полку Игореве»), «Аленушка», «Царь Иван Васильевич Грозный». Наибольшую известность получила картина «Три богатыря» с фигурами конных витязей Ильи Муромца, Добрыни Никитича и Алеши Поповича, охраняющих границы Отечества. На смену ранним психологическим новеллам приходит монументальный эпос. Ряд произведений («Три царевны подземного царства») уже несёт в себе все характерные черты декоративной картины-панно стиля модерн, основанной на поэтике символизма, которая размывает границы между сказочной фантастикой и реальностью. У русских и зарубежных ценителей (в частности, у А. А. Блока и Р. М. Рильке ) творчество нового, «эпического» Васнецова находит горячий отклик как выражение «нового русского стиля». Васнецов проявил себя также как большой мастер декоративной живописи. Самым крупным его свершением в области монументального искусства явились росписи киевского Владимирского собора. Стремясь по возможности обновить византийские каноны, художник вносит в религиозные образы лирическое, личностное начало, обрамляет их фольклорным орнаментом. Поздний период творчества художника исполнен мрачных переживаний. Ужасы революционного террора начала века толкают его в лагерь правых экстремистов национал-шовинистического толка. Полны сложного аллегорического подтекста картины «Царевна-Лягушка» и «Бой Добрыни Никитича с семиглавым Змеем Горынычем». Общественность воспринимала их как выражение тревожных раздумий мастера по поводу назревавшей и свершившейся социальной катастрофы. После революции он не принимает активного участия в художественной жизни, но продолжает работать, создав, в частности, ряд значительных портретов, в том числе неоконченный портрет художника М. В. Нестерова. Год издания: 2010Формат: djvuЯзык: ruРазмер: 11977 KbСкачиваний: 1415

Василий Дмитриевич Поленов (1844-1927) - русский художник-передвижник, прославившийся своими пленэрными пейзажами, бытовыми, историческими и религиозными картинами. В своём творческом пути живописец органично соединил верность традициям реализма XIX века с чертами символизма и модерна. С конца 1870-х годов искусство и сама личность В. Д. Поленова были окружены не просто славой, а самым настоящим восторженным поклонением художественной молодёжи. Краски картин художника казались современникам сверкающими и чарующими, воспринимались как живописное откровение. Ранние картины Поленова (как, например, «Право господина») решены в духе салонного романтизма. Но славу ему принесли гораздо более естественные и задушевные образы, где влияние И. Е. Репина и А. П. Боголюбова соединилось с богатым опытом работы на пейзажной натуре. Мастерство пленэрной живописи, отдельные черты импрессионизма сочетаются в этих полотнах с задумчивой лирикой, созвучной «пейзажу настроения» саврасовско-левитановского толка («Московский дворик», «Бабушкин сад», «Заросший пруд»). С годами Поленов стремится придать своей палитре всё большую психологическую выразительность («Больная»), его многочисленные этюды с натуры полны искренней теплоты чувства. Но это чувства скорее созерцательные, чем драматически страстные или мистические. Поэтому серия евангельских картин, над которой художник истово работал многие годы («Христос и грешница», «На Тивериадском озере», «Среди учителей») производит двойственное впечатление. Считая, что от церкви, находящейся в состоянии глубокого упадка, свойство дарить людям «счастье и радость» переходит к искусству («Иначе оно ничего не стоит», - из письма В. М. Васнецову), Поленов стремится решить нравственную сверхзадачу именно в религиозных образах, - которые, однако, очаровывают отнюдь не своим этическим посланием, а живостью пейзажных и этнографических наблюдений. Черты модерна, с его стремлением к созданию «сверхпроизведений», синтетически объединяющих разные виды искусства, отчетливей всего проявились в театральных и архитектурных работах Поленова. Он оформлял спектакли в абрамцевском доме и Московской частной русской опере С. И. Мамонтова, тесно сближая принципы «живописного театра» с музыкально-драматической фактурой пьесы. Живой интерес мастера к национальной архитектурной старине проявился уже в этюдах, изображающих Теремной дворец и соборы Московского Кремля. Поленов внёс большой вклад в русский стиль внутри модерна, создав эскизы церквей, построенных в Абрамцеве (в соавторстве с В. М. Васнецовым) и Бехове под Тарусой. После Октябрьской революции художник жил в своей усадьбе Борок, как на островке старой Руси, занимаясь живописью и руководя деревенскими театральными кружками. Учениками Поленова (в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где он преподавал в 1882-1895 годах) были И. И. Левитан, К. А. и С. А. Коровины, А. Е. Архипов, А. Я. Головин.Год издания: 2010Формат: pdfЯзык: ruРазмер: 110700 KbСкачиваний: 1465